Stephanie Thiersch konnte im Herbst und Winter 2020 eine kontinuierliche Recherche-Praxis mit ihrer Kompanie aufbauen, in der im Studio entstandene choreografische Scores und Ideen in den Außenraum übertragen und durch das Kameraauge quasi in der Natur überprüft werden. Entstanden sind sechs filmische Miniaturen, die im März und April 2021 jeden Montag veröffentlicht werden.

15.03.2021
KINNING #1 – Carola & Joel
mit Joel Suarez Gòmez & Carola Schaal
Musik/Klarinette: Carola Schaal

22.03.2021
KINNING #2 – Moo & Julien
mit Gyung Moo Kim & Julien Ferranti
Musik: Machine for Calm Livings, Manon Parent

29.03.2021
KINNING #3 – Alex & Neus
Mit Alex Naudet, Neus Barcons Roca

05.04.2021
KINNING #4 – Kelvin & Joel
Mit Kelvin Kilonzo, Joel Suárez Gómez

12.04.2021
KINNING #5 – Camille & Fabien
Mit Camille Revol, Fabien Almakiewicz

19.04.2021
KINNING #6 – Alex & Julien & Kelvin & Marcela & Neus & Joel & Moo & Camille & Fabien
Mit Alexandra Naudet, Julien Ferranti, Kelvin Kilonzo, Marcela Ruiz Quintero, Neus Barcons Roca, Joel Suárez Gómez, Gyung Moo Kim, Camille Revol, Fabien Almakiewicz

26.04.2021
KINNING #7
Tba

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Konzept / Regie: Stephanie Thiersch / Kamera: Julia Franken, Hajo Schomerus / Bildgestaltung: Julia Franken / Set-Photographie: Martin Rottekolber 
Gefördert im Rahmen des Programms Reload. Stipendien für Freie Gruppen der Kulturstiftung des Bundes, und der INVENTASY Labs der „GASTGEBERSCHAFT“ im Rahmen von Tanzpakt Stadt-Land-Bund.

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2020!

„Die große Bandbreite des siebzehnköpfigen Ensembles, aus unterschiedlichen Generationen und Herkunftsländern sowohl mit professionellen wie auch mit Laiendarstellern, erweist sich in seiner großen Diversität als perfektes Füllhorn für einen großartigen Theaterabend (...). Gesang und Gelächter, Gedichte und Gedanken, alles fügt sich in dieser stimmigen Collage zu einem mitreißenden Bewusstseinsstrom. Die dem Fluss der Zeit abgerungenen Augenblicke sind es, die die umjubelte Theaterpremiere mit großer Wirkkraft zu würdigen und zu zelebrieren versteht.“ (Kölner Stadtanzeiger)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Mit einem 17-köpfigen Ensemble, zwischen 13 und 80 Jahren, welches beinahe eine gesamte Gesellschaft abbildet, hinterfragen wir spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Beteiligt sind neben 12 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen. Die poetische Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“.

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Knipping (16), Andreas Beutner (70), Angela Pott (72), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Giorgos Psaroulakis (53), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Josef Hofmann (63), Karin Oeser (60), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (25), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (52)

Live Musik: Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik), Pía Miranda (Posaune & Gesang)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Dietrich Schuckließ, Jens Kuklik, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: SuseBertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Ausgezeichnet mit dem Kölner Theaterpreis 2020!

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert es keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Stream bei Dringeblieben, abrufbar ab 15.4., 20.00 Uhr

Trailer:

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2020!

„Die große Bandbreite des siebzehnköpfigen Ensembles, aus unterschiedlichen Generationen und Herkunftsländern sowohl mit professionellen wie auch mit Laiendarstellern, erweist sich in seiner großen Diversität als perfektes Füllhorn für einen großartigen Theaterabend (...). Gesang und Gelächter, Gedichte und Gedanken, alles fügt sich in dieser stimmigen Collage zu einem mitreißenden Bewusstseinsstrom. Die dem Fluss der Zeit abgerungenen Augenblicke sind es, die die umjubelte Theaterpremiere mit großer Wirkkraft zu würdigen und zu zelebrieren versteht.“ (Kölner Stadtanzeiger)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Mit einem 17-köpfigen Ensemble, zwischen 13 und 80 Jahren, welches beinahe eine gesamte Gesellschaft abbildet, hinterfragen wir spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Beteiligt sind neben 12 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen. Die poetische Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“.

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Knipping (16), Andreas Beutner (70), Angela Pott (72), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Giorgos Psaroulakis (53), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Josef Hofmann (63), Karin Oeser (60), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (25), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (52)

Live Musik: Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik), Pía Miranda (Posaune & Gesang)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Dietrich Schuckließ, Jens Kuklik, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: SuseBertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Ausgezeichnet mit dem Kölner Theaterpreis 2020!

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert es keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Stream bei Dringeblieben, abrufbar ab 15.4., 20.00 Uhr

Trailer:

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2020!

„Die große Bandbreite des siebzehnköpfigen Ensembles, aus unterschiedlichen Generationen und Herkunftsländern sowohl mit professionellen wie auch mit Laiendarstellern, erweist sich in seiner großen Diversität als perfektes Füllhorn für einen großartigen Theaterabend (...). Gesang und Gelächter, Gedichte und Gedanken, alles fügt sich in dieser stimmigen Collage zu einem mitreißenden Bewusstseinsstrom. Die dem Fluss der Zeit abgerungenen Augenblicke sind es, die die umjubelte Theaterpremiere mit großer Wirkkraft zu würdigen und zu zelebrieren versteht.“ (Kölner Stadtanzeiger)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Mit einem 17-köpfigen Ensemble, zwischen 13 und 80 Jahren, welches beinahe eine gesamte Gesellschaft abbildet, hinterfragen wir spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Beteiligt sind neben 12 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen. Die poetische Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“.

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Knipping (16), Andreas Beutner (70), Angela Pott (72), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Giorgos Psaroulakis (53), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Josef Hofmann (63), Karin Oeser (60), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (25), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (52)

Live Musik: Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik), Pía Miranda (Posaune & Gesang)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Dietrich Schuckließ, Jens Kuklik, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: SuseBertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Ausgezeichnet mit dem Kölner Theaterpreis 2020!

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert es keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Stream bei Dringeblieben, abrufbar ab 15.4., 20.00 Uhr

Trailer:

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

Ausgezeichnet mit dem Kölner Theaterpreis 2020!

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert es keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Stream bei Dringeblieben, abrufbar ab 15.4., 20.00 Uhr

Trailer:

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2020!

„Die große Bandbreite des siebzehnköpfigen Ensembles, aus unterschiedlichen Generationen und Herkunftsländern sowohl mit professionellen wie auch mit Laiendarstellern, erweist sich in seiner großen Diversität als perfektes Füllhorn für einen großartigen Theaterabend (...). Gesang und Gelächter, Gedichte und Gedanken, alles fügt sich in dieser stimmigen Collage zu einem mitreißenden Bewusstseinsstrom. Die dem Fluss der Zeit abgerungenen Augenblicke sind es, die die umjubelte Theaterpremiere mit großer Wirkkraft zu würdigen und zu zelebrieren versteht.“ (Kölner Stadtanzeiger)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Mit einem 17-köpfigen Ensemble, zwischen 13 und 80 Jahren, welches beinahe eine gesamte Gesellschaft abbildet, hinterfragen wir spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Beteiligt sind neben 12 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen. Die poetische Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“.

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Knipping (16), Andreas Beutner (70), Angela Pott (72), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Giorgos Psaroulakis (53), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Josef Hofmann (63), Karin Oeser (60), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (25), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (52)

Live Musik: Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik), Pía Miranda (Posaune & Gesang)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Dietrich Schuckließ, Jens Kuklik, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: SuseBertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2020!

„Die große Bandbreite des siebzehnköpfigen Ensembles, aus unterschiedlichen Generationen und Herkunftsländern sowohl mit professionellen wie auch mit Laiendarstellern, erweist sich in seiner großen Diversität als perfektes Füllhorn für einen großartigen Theaterabend (...). Gesang und Gelächter, Gedichte und Gedanken, alles fügt sich in dieser stimmigen Collage zu einem mitreißenden Bewusstseinsstrom. Die dem Fluss der Zeit abgerungenen Augenblicke sind es, die die umjubelte Theaterpremiere mit großer Wirkkraft zu würdigen und zu zelebrieren versteht.“ (Kölner Stadtanzeiger)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Mit einem 17-köpfigen Ensemble, zwischen 13 und 80 Jahren, welches beinahe eine gesamte Gesellschaft abbildet, hinterfragen wir spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Beteiligt sind neben 12 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen. Die poetische Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“.

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Knipping (16), Andreas Beutner (70), Angela Pott (72), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Giorgos Psaroulakis (53), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Josef Hofmann (63), Karin Oeser (60), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (25), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (52)

Live Musik: Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik), Pía Miranda (Posaune & Gesang)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Dietrich Schuckließ, Jens Kuklik, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: SuseBertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2020!

„Die große Bandbreite des siebzehnköpfigen Ensembles, aus unterschiedlichen Generationen und Herkunftsländern sowohl mit professionellen wie auch mit Laiendarstellern, erweist sich in seiner großen Diversität als perfektes Füllhorn für einen großartigen Theaterabend (...). Gesang und Gelächter, Gedichte und Gedanken, alles fügt sich in dieser stimmigen Collage zu einem mitreißenden Bewusstseinsstrom. Die dem Fluss der Zeit abgerungenen Augenblicke sind es, die die umjubelte Theaterpremiere mit großer Wirkkraft zu würdigen und zu zelebrieren versteht.“ (Kölner Stadtanzeiger)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Mit einem 17-köpfigen Ensemble, zwischen 13 und 80 Jahren, welches beinahe eine gesamte Gesellschaft abbildet, hinterfragen wir spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Beteiligt sind neben 12 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen. Die poetische Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“.

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Knipping (16), Andreas Beutner (70), Angela Pott (72), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Giorgos Psaroulakis (53), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Josef Hofmann (63), Karin Oeser (60), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (25), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (52)

Live Musik: Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik), Pía Miranda (Posaune & Gesang)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Dietrich Schuckließ, Jens Kuklik, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: SuseBertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Nominiert für den Kölner Theaterpreis 2020!

„Die große Bandbreite des siebzehnköpfigen Ensembles, aus unterschiedlichen Generationen und Herkunftsländern sowohl mit professionellen wie auch mit Laiendarstellern, erweist sich in seiner großen Diversität als perfektes Füllhorn für einen großartigen Theaterabend (...). Gesang und Gelächter, Gedichte und Gedanken, alles fügt sich in dieser stimmigen Collage zu einem mitreißenden Bewusstseinsstrom. Die dem Fluss der Zeit abgerungenen Augenblicke sind es, die die umjubelte Theaterpremiere mit großer Wirkkraft zu würdigen und zu zelebrieren versteht.“ (Kölner Stadtanzeiger)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Mit einem 17-köpfigen Ensemble, zwischen 13 und 80 Jahren, welches beinahe eine gesamte Gesellschaft abbildet, hinterfragen wir spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Beteiligt sind neben 12 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen. Die poetische Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“.

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Knipping (16), Andreas Beutner (70), Angela Pott (72), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Giorgos Psaroulakis (53), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Josef Hofmann (63), Karin Oeser (60), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (25), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (52)

Live Musik: Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik), Pía Miranda (Posaune & Gesang)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Dietrich Schuckließ, Jens Kuklik, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: SuseBertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

VIRTUAL BRAIN – DIE ÜBERWINDUNG DES TODES – ein installativer Abgesang

ON AIR ——— ON STREAM ——— ON WEB ——— ON STAGE

Wir stehen am Scheideweg zu einer neuen Evolutionsstufe – diese verspricht, den Traum von der Überwindung des Todes und von Unsterblichkeit endlich wahr zu machen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse und Technologien wie intelligente Prothesen und Brain-Computer-Interfaces bereiten dafür den Weg. Wie aber wird dieser Weg aussehen? Ist es ein posthumaner Zustand einer virtuellen Welt in konservierten Hirnen oder eine Mensch-Maschinen-Symbiose, wie es James Lovelock in „Novozän“ beschreibt?

Intelligente Prothesen und Hirn-Computer-Schnittstellen versprechen neue Formen menschlichen Lebens, u.a. vertreten durch den Transhumanismus. Was aber verspricht sich der Mensch von dieser Selbstoptimierung, wo liegt die Grenze zur Manipulation und was ist das Eigene am „Ich“? Wann ist der Mensch Mensch? Haben wir früher die Unsterblichkeit mit dem ewigen Leben gleichgesetzt, so scheint sie heute einem Ersatzteillager physischer und informationsverarbeitender Komponenten gleichzukommen. Nicht-Funktionierendes wird ersetzt. Doch was entsteht dadurch?

ON AIR
VIRTUAL BRAIN – Das Ossuarium der Zukunft. Die Hörspielfassung.
11. März 2021, 22.00 Uhr
13. Mai 2021, 22.00 Uhr
Radio 674.fm (http://674.fm)

Eine Metamorphose zwischen Mensch und neuronalem System und eine Reise in Regionen des Geistes zwischen Amygdala, Hippocampus und Nervus opticus. Der Weg durch die Bahnen ist vielstimmig, Erinnerungen platzen auf, vermengen sich mit Gedankenblitzen und doch es scheint ein Ziel zu geben.
von: Charlotte Luise Fechner / Komposition und Hörspielproduktion: Sibin Vassilev / Stimmen: Miriam Meißner, Anna Möbus, Asta Nechajute, Marc Fischer, Thomas Krutmann und Torsten-Peter Schnick / Produktion: WEHR51

ON STREAM
VIRTUAL BRAIN – die Überwindung des Todes. Der Film.
Premiere: 20. März 2021, 20.00 Uhr // Film ist dauerhaft abrufbar!
www.dringeblieben.de  

Die beiden Texte, „Das Ossuarium der Zukunft“ von Charlotte Luise Fechner und „Die Haut“ von Götz Leineweber verweben sich zu einem theatral-installativen Abgesang. Im Mittelpunkt ein Labor, Stimmen, Gedankenblitze, Erinnerungsfetzen und immer wieder der Versuch dem Geheimnis einer Lösung entgegenzukommen. In einer gläsernen Kuppel findet sich das Menschliche, isoliert und abgekapselt – wird es in dieser Abschottung überleben, oder hat das Virus die große Erzählung vom Menschen als dem Schöpfer des ganzen Großen schon längst zerstört?
Texte: Charlotte Luise Fechner & Götz Leineweber / mit: Miriam Meißner, Anna Möbus, Asta Nechajute, Marc Fischer, Thomas Krutmann und Torsten-Peter Schnick / Regie: Andrea Bleikamp / Dramaturgie: Rosi Ulrich / Musik, Sounddesign: Sibin Vassilev / Video: Jens Standke / Regie-Assistenz: Gina Bensch / PR & ÖA: neurohr & andrä / Filmproduktion: Cologne Custom Studios

ON WEB
Der Podcast: https://anchor.fm/wehr51 

ON STAGE
VIRTUAL BRAIN – die Überwindung des Todes. Die Performance.
10. - 13. März 2021
18. - 21. November 2021
Orangerie Theater, Köln

Dass es einmal so sein wird, dass das Reale verschwindet, hatten wir lange Zeit nicht für möglich gehalten. Doch wer sich mit neueren Theorien der Astrophysik und der theoretischen Physik beschäftigt, dem schienen diese Phänomene nicht unwahrscheinlich zu sein. Wie sich aber die „reale Bubble“ beim Eintreten verhalten würde, dafür konnten die Empiriker unter den Physikern aber noch kein stabiles Modell entwickeln. Es schien wie in der Quantenphysik vom Zufall abzuhängen.

Gefördert durch: Kunststiftung NRW, Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen des Sonderprogramms AUTONOM, Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste.

Stephanie Thiersch konnte im Herbst und Winter 2020 eine kontinuierliche Recherche-Praxis mit ihrer Kompanie aufbauen, in der im Studio entstandene choreografische Scores und Ideen in den Außenraum übertragen und durch das Kameraauge quasi in der Natur überprüft werden. Entstanden sind sechs filmische Miniaturen, die im März und April 2021 jeden Montag veröffentlicht werden.

15.03.2021
KINNING #1 – Carola & Joel
mit Joel Suarez Gòmez & Carola Schaal
Musik/Klarinette: Carola Schaal

22.03.2021
KINNING #2 – Moo & Julien
mit Gyung Moo Kim & Julien Ferranti
Musik: Machine for Calm Livings, Manon Parent

29.03.2021
KINNING #3 – Alex & Neus
Mit Alex Naudet, Neus Barcons Roca

05.04.2021
KINNING #4 – Kelvin & Joel
Mit Kelvin Kilonzo, Joel Suárez Gómez

12.04.2021
KINNING #5 – Camille & Fabien
Mit Camille Revol, Fabien Almakiewicz

19.04.2021
KINNING #6 – Alex & Julien & Kelvin & Marcela & Neus & Joel & Moo & Camille & Fabien
Mit Alexandra Naudet, Julien Ferranti, Kelvin Kilonzo, Marcela Ruiz Quintero, Neus Barcons Roca, Joel Suárez Gómez, Gyung Moo Kim, Camille Revol, Fabien Almakiewicz

26.04.2021
KINNING #7
Tba

Follow #KINNING #1–#6 on Facebook >

Konzept / Regie: Stephanie Thiersch / Kamera: Julia Franken, Hajo Schomerus / Bildgestaltung: Julia Franken / Set-Photographie: Martin Rottekolber 
Gefördert im Rahmen des Programms Reload. Stipendien für Freie Gruppen der Kulturstiftung des Bundes, und der INVENTASY Labs der „GASTGEBERSCHAFT“ im Rahmen von Tanzpakt Stadt-Land-Bund.

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

Choreografie / Regie: Stephanie Thiersch // Musikregie / Komposition: Brigitta Muntendorf // Gürzenich-Orchester Köln / Dirigent: Benjamin Shwartz // Asasello Quartett: Rostislav Kozhevnikov (1. Violine), Barbara Streil (2. Violine), Teemu Myöhänen (Cello), Justyna Śliwa (Viola) // Lichtdesign / Technische Leitung: Begoña Garcia Navas // Choreografie / Performance: Fabien Almakiewicz, Neus Barcons Roca, Alexis ‚Maca’ Fernández, Julien Ferranti, Gyung Moo Kim, Alexandra Naudet, Camille Revol, Joel Suárez Gómez // Choreografische Assistenz: Marcela Ruiz Quintero // Kostüm: Sita Messer // Kostümassistenz: João Lamego // Outside Eye: Stawrula Panagiotaki, Fabrice Ramalignom // Produktionsleitung: Sarah Heinrich // Management: Tanja Baran, Béla Bisom

Produktion: MOUVOIR e.V.

Koproduktion: Théâtre de Nîmes, Beethovenfest Bonn, tanzhaus nrw Düsseldorf, Ensemblenetzwerk Freihandelszone

Gefördert durch: Kulturstiftung des Bundes, Kunststiftung NRW, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, RheinEnergieStiftung Kultur, Kulturamt der Stadt Köln

Unterstützt durch: Dieses Projekt ist Teil des Residenzprogramms schloss bröllin e.V., unterstützt durch das Ministerium für Bildung, Wissenschaft und Kultur des Landes Mecklenburg-Vorpommern und dem Landkreis Vorpommern-Greifswald.

Fotos: Martin Rottenkolber

Trailer anzeigen

VIRTUAL BRAIN – DIE ÜBERWINDUNG DES TODES – ein installativer Abgesang

ON AIR ——— ON STREAM ——— ON WEB ——— ON STAGE

Wir stehen am Scheideweg zu einer neuen Evolutionsstufe – diese verspricht, den Traum von der Überwindung des Todes und von Unsterblichkeit endlich wahr zu machen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse und Technologien wie intelligente Prothesen und Brain-Computer-Interfaces bereiten dafür den Weg. Wie aber wird dieser Weg aussehen? Ist es ein posthumaner Zustand einer virtuellen Welt in konservierten Hirnen oder eine Mensch-Maschinen-Symbiose, wie es James Lovelock in „Novozän“ beschreibt?

Intelligente Prothesen und Hirn-Computer-Schnittstellen versprechen neue Formen menschlichen Lebens, u.a. vertreten durch den Transhumanismus. Was aber verspricht sich der Mensch von dieser Selbstoptimierung, wo liegt die Grenze zur Manipulation und was ist das Eigene am „Ich“? Wann ist der Mensch Mensch? Haben wir früher die Unsterblichkeit mit dem ewigen Leben gleichgesetzt, so scheint sie heute einem Ersatzteillager physischer und informationsverarbeitender Komponenten gleichzukommen. Nicht-Funktionierendes wird ersetzt. Doch was entsteht dadurch?

ON AIR
VIRTUAL BRAIN – Das Ossuarium der Zukunft. Die Hörspielfassung.
11. März 2021, 22.00 Uhr
13. Mai 2021, 22.00 Uhr
Radio 674.fm (http://674.fm)

Eine Metamorphose zwischen Mensch und neuronalem System und eine Reise in Regionen des Geistes zwischen Amygdala, Hippocampus und Nervus opticus. Der Weg durch die Bahnen ist vielstimmig, Erinnerungen platzen auf, vermengen sich mit Gedankenblitzen und doch es scheint ein Ziel zu geben.
von: Charlotte Luise Fechner / Komposition und Hörspielproduktion: Sibin Vassilev / Stimmen: Miriam Meißner, Anna Möbus, Asta Nechajute, Marc Fischer, Thomas Krutmann und Torsten-Peter Schnick / Produktion: WEHR51

ON STREAM
VIRTUAL BRAIN – die Überwindung des Todes. Der Film.
Premiere: 20. März 2021, 20.00 Uhr // Film ist dauerhaft abrufbar!
www.dringeblieben.de  

Die beiden Texte, „Das Ossuarium der Zukunft“ von Charlotte Luise Fechner und „Die Haut“ von Götz Leineweber verweben sich zu einem theatral-installativen Abgesang. Im Mittelpunkt ein Labor, Stimmen, Gedankenblitze, Erinnerungsfetzen und immer wieder der Versuch dem Geheimnis einer Lösung entgegenzukommen. In einer gläsernen Kuppel findet sich das Menschliche, isoliert und abgekapselt – wird es in dieser Abschottung überleben, oder hat das Virus die große Erzählung vom Menschen als dem Schöpfer des ganzen Großen schon längst zerstört?
Texte: Charlotte Luise Fechner & Götz Leineweber / mit: Miriam Meißner, Anna Möbus, Asta Nechajute, Marc Fischer, Thomas Krutmann und Torsten-Peter Schnick / Regie: Andrea Bleikamp / Dramaturgie: Rosi Ulrich / Musik, Sounddesign: Sibin Vassilev / Video: Jens Standke / Regie-Assistenz: Gina Bensch / PR & ÖA: neurohr & andrä / Filmproduktion: Cologne Custom Studios

ON WEB
Der Podcast: https://anchor.fm/wehr51 

ON STAGE
VIRTUAL BRAIN – die Überwindung des Todes. Die Performance.
10. - 13. März 2021
18. - 21. November 2021
Orangerie Theater, Köln

Dass es einmal so sein wird, dass das Reale verschwindet, hatten wir lange Zeit nicht für möglich gehalten. Doch wer sich mit neueren Theorien der Astrophysik und der theoretischen Physik beschäftigt, dem schienen diese Phänomene nicht unwahrscheinlich zu sein. Wie sich aber die „reale Bubble“ beim Eintreten verhalten würde, dafür konnten die Empiriker unter den Physikern aber noch kein stabiles Modell entwickeln. Es schien wie in der Quantenphysik vom Zufall abzuhängen.

Gefördert durch: Kunststiftung NRW, Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen des Sonderprogramms AUTONOM, Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste.

In der Veranstaltungsreihe Jäten im Paradies der Freihandelszone, konzipiert und durchgeführt vom WEHR51 und dem Kunsthof Galm, sind auch 2021 wieder Veranstaltungen vorgesehen:

15. Mai 2021 |14 Uhr
moderiertes Konzert / Ausstellung
MUSIK & NATUR | KUNST & NATUR
Die Sehnsucht nach Natur scheint umso größer zu werden, je weniger von ihr übrig ist.
Mit Jörn Arnecke & Juliane Bookhagen, Marion Angulanza & Gerhard Göschel, Einführung: Petra Lange

05. Juni 2021 |19 Uhr
Lesung der Preisträger*innen | FRAGILAXIE
LITERATUR | zeitgenössischer Circus
Mit Julia Adam, Sibylle Wagner, Karl-Bernd Beierlein, Dr. Florian Franke-Petsch, Kristin Lahoop & Mareile Metzner

04. September 2021 |14 Uhr | Einlass 13.30 Uhr
Lesung mit Kai Michel & Carel van Scheick
DIE WAHRHEIT ÜBER EVA
Die Erfindung der Ungleichheit von Frauen und Männern

Alle Infos: http://jaetenimparadies.de

Konzept: Rosi Ulrich, Annette und Gerhard Göschel (siehe auch www.jaetenimparadies.de)

Eine Produktion von Möbus + Schmitz, in Koproduktion mit WEHR51.

Ein Küchentisch, zwei Stühle, zwei Schwestern: In „2 Schwestern #voller Liebe im Kampfmodus“ geht es um Schwesternschaft, um die Besonderheit und Intensität dieser speziellen Beziehung.

Der anregende Theaterabend zeigt eine moderne Perspektive auf sich stetig wandelnde Schwesterbeziehungen und schärft den Blick des Publikums auf die eigenen familiären Strukturen: Welche Konsequenzen hat es für den eigenen Lebensweg, Schwester zu sein? Welches Rollenverständnis ergibt sich daraus, welche gesellschaftlichen Projektionen gibt es? Ob genetische Nähe oder emotionale Verbundenheit: Schwesternbeziehungen sind anrührend, erstaunlich, machen manchmal ratlos und stets neugierig. Schwestern teilen die gleichen Erlebnisse, doch dahinter verbergen sich immer auch zwei Wahrheiten.

Ein Küchenradio, eine Obstschale, ein Playmobilhaus und zwei Handbeamer führen durch die szenische Umsetzung. Livekamera und Headsets transportieren die intimen Inhalte in die privaten Räume der Zuschauer*innen, wo Bilder von Kindheitsorten entstehen.
Interviews aus dem engen familiären Umkreis, dokumentarisches Material, literarische Erinnerungen, fiktive Erzählungen und Videoprojektionen werden durch spielerische Szenen ergänzt und bringen Situationen zurück, in denen gelacht, gestritten und gemeinsam gelebt wurde.

Die Theatermacherinnen Anna Möbus und Franziska Schmitz sind keine Schwestern, haben aber eine Gemeinsamkeit in ihren familiären Biografien: In beiden Familien ist ein Geschwister durch einen Unfall verstorben. In ihrem ersten gemeinsamen Stück untersuchen Anna Möbus und Franziska Schmitz, wie der Verlust sich auswirkt. Basis dafür sind sehr persönliche Interviews mit Familienmitgliedern verschiedener Generationen. Was löst ein solch traumatisches Erlebnis wie der Verlust der Schwester aus? Verrücken sich die innerfamiliären Positionen?

Credits
Schauspiel/ Konzept/ Organisiation: Anna Möbus + Franziska Schmitz | Regie/ Konzept: Andrea Bleikamp | Choreographie: Sophie Killer | Dramaturgie: Rosi Ulrich | Video: Videokiosk (Sebastian Steimel und Sophie Schumacher-Hernández)

In Kooperation mit wehr51
Förderer Kulturamt Mannheim, LBBW Stiftung, Fonds darstellende Künste (Neustart Kultur #takeaction), NRW-Stipendium

Stephanie Thiersch konnte im Herbst und Winter 2020 eine kontinuierliche Recherche-Praxis mit ihrer Kompanie aufbauen, in der im Studio entstandene choreografische Scores und Ideen in den Außenraum übertragen und durch das Kameraauge quasi in der Natur überprüft werden. Entstanden sind sechs filmische Miniaturen, die im März und April 2021 jeden Montag veröffentlicht werden.

15.03.2021
KINNING #1 – Carola & Joel
mit Joel Suarez Gòmez & Carola Schaal
Musik/Klarinette: Carola Schaal

22.03.2021
KINNING #2 – Moo & Julien
mit Gyung Moo Kim & Julien Ferranti
Musik: Machine for Calm Livings, Manon Parent

29.03.2021
KINNING #3 – Alex & Neus
Mit Alex Naudet, Neus Barcons Roca

05.04.2021
KINNING #4 – Kelvin & Joel
Mit Kelvin Kilonzo, Joel Suárez Gómez

12.04.2021
KINNING #5 – Camille & Fabien
Mit Camille Revol, Fabien Almakiewicz

19.04.2021
KINNING #6 – Alex & Julien & Kelvin & Marcela & Neus & Joel & Moo & Camille & Fabien
Mit Alexandra Naudet, Julien Ferranti, Kelvin Kilonzo, Marcela Ruiz Quintero, Neus Barcons Roca, Joel Suárez Gómez, Gyung Moo Kim, Camille Revol, Fabien Almakiewicz

26.04.2021
KINNING #7
Tba

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Konzept / Regie: Stephanie Thiersch / Kamera: Julia Franken, Hajo Schomerus / Bildgestaltung: Julia Franken / Set-Photographie: Martin Rottekolber 
Gefördert im Rahmen des Programms Reload. Stipendien für Freie Gruppen der Kulturstiftung des Bundes, und der INVENTASY Labs der „GASTGEBERSCHAFT“ im Rahmen von Tanzpakt Stadt-Land-Bund.

VIRTUAL BRAIN – DIE ÜBERWINDUNG DES TODES – ein installativer Abgesang

ON AIR ——— ON STREAM ——— ON WEB ——— ON STAGE

Wir stehen am Scheideweg zu einer neuen Evolutionsstufe – diese verspricht, den Traum von der Überwindung des Todes und von Unsterblichkeit endlich wahr zu machen. Neue wissenschaftliche Erkenntnisse und Technologien wie intelligente Prothesen und Brain-Computer-Interfaces bereiten dafür den Weg. Wie aber wird dieser Weg aussehen? Ist es ein posthumaner Zustand einer virtuellen Welt in konservierten Hirnen oder eine Mensch-Maschinen-Symbiose, wie es James Lovelock in „Novozän“ beschreibt?

Intelligente Prothesen und Hirn-Computer-Schnittstellen versprechen neue Formen menschlichen Lebens, u.a. vertreten durch den Transhumanismus. Was aber verspricht sich der Mensch von dieser Selbstoptimierung, wo liegt die Grenze zur Manipulation und was ist das Eigene am „Ich“? Wann ist der Mensch Mensch? Haben wir früher die Unsterblichkeit mit dem ewigen Leben gleichgesetzt, so scheint sie heute einem Ersatzteillager physischer und informationsverarbeitender Komponenten gleichzukommen. Nicht-Funktionierendes wird ersetzt. Doch was entsteht dadurch?

ON AIR
VIRTUAL BRAIN – Das Ossuarium der Zukunft. Die Hörspielfassung.
11. März 2021, 22.00 Uhr
13. Mai 2021, 22.00 Uhr
Radio 674.fm (http://674.fm)

Eine Metamorphose zwischen Mensch und neuronalem System und eine Reise in Regionen des Geistes zwischen Amygdala, Hippocampus und Nervus opticus. Der Weg durch die Bahnen ist vielstimmig, Erinnerungen platzen auf, vermengen sich mit Gedankenblitzen und doch es scheint ein Ziel zu geben.
von: Charlotte Luise Fechner / Komposition und Hörspielproduktion: Sibin Vassilev / Stimmen: Miriam Meißner, Anna Möbus, Asta Nechajute, Marc Fischer, Thomas Krutmann und Torsten-Peter Schnick / Produktion: WEHR51

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Premiere: 20. März 2021, 20.00 Uhr // Film ist dauerhaft abrufbar!
www.dringeblieben.de  

Die beiden Texte, „Das Ossuarium der Zukunft“ von Charlotte Luise Fechner und „Die Haut“ von Götz Leineweber verweben sich zu einem theatral-installativen Abgesang. Im Mittelpunkt ein Labor, Stimmen, Gedankenblitze, Erinnerungsfetzen und immer wieder der Versuch dem Geheimnis einer Lösung entgegenzukommen. In einer gläsernen Kuppel findet sich das Menschliche, isoliert und abgekapselt – wird es in dieser Abschottung überleben, oder hat das Virus die große Erzählung vom Menschen als dem Schöpfer des ganzen Großen schon längst zerstört?
Texte: Charlotte Luise Fechner & Götz Leineweber / mit: Miriam Meißner, Anna Möbus, Asta Nechajute, Marc Fischer, Thomas Krutmann und Torsten-Peter Schnick / Regie: Andrea Bleikamp / Dramaturgie: Rosi Ulrich / Musik, Sounddesign: Sibin Vassilev / Video: Jens Standke / Regie-Assistenz: Gina Bensch / PR & ÖA: neurohr & andrä / Filmproduktion: Cologne Custom Studios

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Der Podcast: https://anchor.fm/wehr51 

ON STAGE
VIRTUAL BRAIN – die Überwindung des Todes. Die Performance.
10. - 13. März 2021
18. - 21. November 2021
Orangerie Theater, Köln

Dass es einmal so sein wird, dass das Reale verschwindet, hatten wir lange Zeit nicht für möglich gehalten. Doch wer sich mit neueren Theorien der Astrophysik und der theoretischen Physik beschäftigt, dem schienen diese Phänomene nicht unwahrscheinlich zu sein. Wie sich aber die „reale Bubble“ beim Eintreten verhalten würde, dafür konnten die Empiriker unter den Physikern aber noch kein stabiles Modell entwickeln. Es schien wie in der Quantenphysik vom Zufall abzuhängen.

Gefördert durch: Kunststiftung NRW, Fonds Darstellende Künste aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien im Rahmen des Sonderprogramms AUTONOM, Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste.

In der Veranstaltungsreihe Jäten im Paradies der Freihandelszone, konzipiert und durchgeführt vom WEHR51 und dem Kunsthof Galm, sind auch 2021 wieder Veranstaltungen vorgesehen:

15. Mai 2021 |14 Uhr
moderiertes Konzert / Ausstellung
MUSIK & NATUR | KUNST & NATUR
Die Sehnsucht nach Natur scheint umso größer zu werden, je weniger von ihr übrig ist.
Mit Jörn Arnecke & Juliane Bookhagen, Marion Angulanza & Gerhard Göschel, Einführung: Petra Lange

05. Juni 2021 |19 Uhr
Lesung der Preisträger*innen | FRAGILAXIE
LITERATUR | zeitgenössischer Circus
Mit Julia Adam, Sibylle Wagner, Karl-Bernd Beierlein, Dr. Florian Franke-Petsch, Kristin Lahoop & Mareile Metzner

04. September 2021 |14 Uhr | Einlass 13.30 Uhr
Lesung mit Kai Michel & Carel van Scheick
DIE WAHRHEIT ÜBER EVA
Die Erfindung der Ungleichheit von Frauen und Männern

Alle Infos: http://jaetenimparadies.de

Konzept: Rosi Ulrich, Annette und Gerhard Göschel (siehe auch www.jaetenimparadies.de)

Mit
MOUVOIR | Ensemble Garage | Asasello Quartett | Det Norske Solistkor/The Norwegian Soloists’ Choir
 
Die Natur ist ein Artefakt geworden, Menschen und Pflanzen haben sich verschwistert und sind eine neue provokante Form eingegangen. Nach dem Ende der Zurichtung der Welt, wie wir sie kannten, wird das neuhumanoide Dasein zutage treten und in einem Archipel der Möglichkeiten seine Kräfte ertasten: unsichtbare biologische Verflechtungen und Symbiosen, in denen Blutsverwandtschaft und Reproduktion der menschlichen Spezies der Vergangenheit angehören. Elektrisierte Wesen bilden hybride, raumerfassende und tentakelhafte Schnittstellen. Sie folgen einer Sensorik der Unruhe, bereit, sich zu transformieren. Architektur, Tanz und Musik nehmen diese Vision auf und gehen in ARCHIPEL eine vollkommen neue Allianz ein: Die vom japanischen Architekten Sou Fujimoto geschaffene Skulptur ist nicht nur Bühne, Landschaft und Schutzraum, sie ist auch Musikinstrument, dessen Klänge Tänzer:innen und Musiker:innen gemeinsam hervorrufen, aufnehmen und weiterspinnen. Die Choreografie von Stephanie Thiersch und die Musik von Brigitta Muntendorf arbeiten mit der Vermischung der Genres auf der Suche nach Verständigung. Wir alle sind verbunden.

 
Mit
Fabien Almakiewicz, Neus Barcons Roca, Alexis „Maca“ Fernández, Julien Ferranti, Kelvin Kilonzo, Gyung Moo Kim, Margaux Marielle-Tréhoüart, Alexandra Naudet, Camille Revol, Joel Suárez Gómez

Ensemble Garage & Gäste: Carola Schaal (Klarinetten), Pablo Giw (Trompete), Till Künkler (Posaune), Yuka Ohta (Perkussion), Jonathan Shapiro (Perkussion), Joss Turnbull (Perkussion), Moritz Baerens (Kontrabass)

Asasello Quartett: Rostislav Kozhevnikov (Violine), Barbara Streil (Violine), Justyna Śliwa (Viola), Teemu Myöhänen (Cello)

Chor: Det Norske Solistkor / The Norwegian Soloists’ Choir

 
Probenleitung Chor: Grete Pedersen
Künstlerische Leitung, Choreografie: Stephanie Thiersch
Künstlerische Leitung, Komposition: Brigitta Muntendorf
Architektur: Sou Fujimoto
Dramaturgie: Stawrula Panagiotaki, Juliane Votteler
Kostüm: Sita Messer, Lauren Steel
Lichtdesign: Begoña Garcia Navas
Klangregie: Sebastian Schottke
Musikalische Probenleitung: Mariano Chiacchiarini
Live-Elektronik/Programmierung: Maximiliano Estudies
Videogestaltung: Warped Type
Choreografische Assistenz: Marcela Ruiiz Quintero
Musikalische Assistenz: Nicolas Berge
Produktionsleitung: Harriet Lesch & littlebit GbR
Produktion: Sarah Heinrich
Technische Leitung: Gerhard Pichler
Bühnenkonstruktion: Studio Hamburg

 
Produziert von Ensemble Garage e.V. und MOUVOIR e. V.
Koproduziert von Ruhrtriennale 2020 und ULTIMA – Oslo Contemporary Music Festival
In Kooperation mit tanzhaus nrw
Unterstützt von Zentrum für Zeitgenössischen Tanz, Hochschule für Musik und Tanz Köln
Gefördert durch BTHVN2020 – aus Mitteln der Beauftragten der Bundesregierung für Kultur und Medien des Landes Nordrhein-Westfalen, der Stadt Bonn und des Rhein-Sieg-Kreises; Kunststiftung NRW; RheinEnergieStiftung Kultur

MOUVOIR/Stephanie Thiersch wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen und vom Kulturamt der Stadt Köln.
Ensemble Garage wird gefördert vom Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen.
Det Norske Solistkor / The Norwegian Soloists’ Choir wird gefördert vom Norwegischen Ministerium für Kultur.

Photography drafts sculpture: Sou Fujimoto Architects

Kurz vor der Premiere im März 2020 stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Kurz vor der Premiere im März 2020 stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Kurz vor der Premiere im März 2020 stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Kurz vor der Premiere im März 2020 stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW