Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Regie/Konzept: Andrea Bleikamp, Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez, Ausstattung: Claus Stump, Live-Zeichnung: Katarina Caspersen, Video: Jens Standke, Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich, Musik: Timo Reuber, Licht: Boris Kahnert, PR: mechtild tellmann kulturmanagement, ÖA: neurohr & andrä 

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Regie/Konzept: Andrea Bleikamp, Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez, Ausstattung: Claus Stump, Live-Zeichnung: Katarina Caspersen, Video: Jens Standke, Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich, Musik: Timo Reuber, Licht: Boris Kahnert, PR: mechtild tellmann kulturmanagement, ÖA: neurohr & andrä 

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Regie/Konzept: Andrea Bleikamp, Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez, Ausstattung: Claus Stump, Live-Zeichnung: Katarina Caspersen, Video: Jens Standke, Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich, Musik: Timo Reuber, Licht: Boris Kahnert, PR: mechtild tellmann kulturmanagement, ÖA: neurohr & andrä 

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Regie/Konzept: Andrea Bleikamp, Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez, Ausstattung: Claus Stump, Live-Zeichnung: Katarina Caspersen, Video: Jens Standke, Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich, Musik: Timo Reuber, Licht: Boris Kahnert, PR: mechtild tellmann kulturmanagement, ÖA: neurohr & andrä 

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

„Welche andere menschliche Gegenwart kann mir fremder sein, als ich selbst mir manchmal bin?" (George Steiner)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Die musikalische Performance hinterfragt spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Zu dem 18-köpfigen Ensemble, welches eine gesamte Gesellschaft abbildet, gehören Menschen im Alter von 13 bis 80 Jahren. Beteiligt sind neben 13 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen.

Die Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“. Die Erzählstruktur ist assoziativ-virtueller „Non-Sense“ – das Gesehene ein ultimativer Spiegel, in dem wir uns neu und fremd begegnen können. Würden wir anders leben, wenn wir uns bewusster wären, dass wir nur eine kurze Zeit auf dieser Erde herumspazieren und es Jeden von uns Jederzeit aus dem Leben herausreißen kann?

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Kipping (15), Andreas Beutner (67), Angela Pott (71), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Frank Witzel (61), Giorgos Psaroulakis (52), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Karin Oeser (59), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (27), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (51), N.N.

Live-Musik: Peter Eisold (60), Pía Miranda (38)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Veit Griess „Kerp Holz“, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Christian Bohne, Dietrich Schuckließ, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: Suse Bertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

„Welche andere menschliche Gegenwart kann mir fremder sein, als ich selbst mir manchmal bin?" (George Steiner)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Die musikalische Performance hinterfragt spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Zu dem 18-köpfigen Ensemble, welches eine gesamte Gesellschaft abbildet, gehören Menschen im Alter von 13 bis 80 Jahren. Beteiligt sind neben 13 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen.

Die Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“. Die Erzählstruktur ist assoziativ-virtueller „Non-Sense“ – das Gesehene ein ultimativer Spiegel, in dem wir uns neu und fremd begegnen können. Würden wir anders leben, wenn wir uns bewusster wären, dass wir nur eine kurze Zeit auf dieser Erde herumspazieren und es Jeden von uns Jederzeit aus dem Leben herausreißen kann?

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Kipping (15), Andreas Beutner (67), Angela Pott (71), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Frank Witzel (61), Giorgos Psaroulakis (52), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Karin Oeser (59), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (27), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (51), N.N.

Live-Musik: Peter Eisold (60), Pía Miranda (38)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Veit Griess „Kerp Holz“, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Christian Bohne, Dietrich Schuckließ, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: Suse Bertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

„Welche andere menschliche Gegenwart kann mir fremder sein, als ich selbst mir manchmal bin?" (George Steiner)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Die musikalische Performance hinterfragt spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Zu dem 18-köpfigen Ensemble, welches eine gesamte Gesellschaft abbildet, gehören Menschen im Alter von 13 bis 80 Jahren. Beteiligt sind neben 13 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen.

Die Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“. Die Erzählstruktur ist assoziativ-virtueller „Non-Sense“ – das Gesehene ein ultimativer Spiegel, in dem wir uns neu und fremd begegnen können. Würden wir anders leben, wenn wir uns bewusster wären, dass wir nur eine kurze Zeit auf dieser Erde herumspazieren und es Jeden von uns Jederzeit aus dem Leben herausreißen kann?

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Kipping (15), Andreas Beutner (67), Angela Pott (71), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Frank Witzel (61), Giorgos Psaroulakis (52), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Karin Oeser (59), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (27), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (51), N.N.

Live-Musik: Peter Eisold (60), Pía Miranda (38)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Veit Griess „Kerp Holz“, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Christian Bohne, Dietrich Schuckließ, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: Suse Bertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

„Welche andere menschliche Gegenwart kann mir fremder sein, als ich selbst mir manchmal bin?" (George Steiner)

In JEDER:JEDERZEIT geht es um die Fremdheit, welche wir angesichts unserer Vergänglichkeit uns selber gegenüber verspüren. Die musikalische Performance hinterfragt spielerisch und poetisch unseren Identitätsbegriff, mit einem Fokus auf unseren Alterungsprozess und die Selbstbildnisse von Menschen unterschiedlicher Generationen und Herkunft. Zu dem 18-köpfigen Ensemble, welches eine gesamte Gesellschaft abbildet, gehören Menschen im Alter von 13 bis 80 Jahren. Beteiligt sind neben 13 Bürger*innen die professionellen Musiker*innen Pía Miranda (Posaune & Gesang) und Ruhrpreisträger Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) sowie drei professionelle Darsteller*innen.

Die Reise zum Ursprung unserer Melancholien speist sich aus Interviews mit den Beteiligten und Samples aus der Weltliteratur – z.B. aus Versatzstücken von Dantes „Göttlicher Komödie“. Die Erzählstruktur ist assoziativ-virtueller „Non-Sense“ – das Gesehene ein ultimativer Spiegel, in dem wir uns neu und fremd begegnen können. Würden wir anders leben, wenn wir uns bewusster wären, dass wir nur eine kurze Zeit auf dieser Erde herumspazieren und es Jeden von uns Jederzeit aus dem Leben herausreißen kann?

Begleitet wird die Entstehung der Theaterproduktion durch einen Videoblog. Hier kann das Publikum die Proben und die thematische Annäherung anhand regelmäßig erscheinender Beiträge verfolgen und kommentieren: www.facebook.com/Jederjederzeit-Videoblog-111647480255816/

BESETZUNG:

Mit: Allen Kipping (15), Andreas Beutner (67), Angela Pott (71), Azizé Flittner (41), Clara Duchatz (13), Frank Witzel (61), Giorgos Psaroulakis (52), Helga Tillmann (73), Jochen Keienburg (80), Josef Dransfeld (61), Karin Oeser (59), Lothar Konnen (52), Mohammad „Saado“ Kharouf (27), Renate Grimaldi (72), Sigrid Schott (51), N.N.

Live-Musik: Peter Eisold (60), Pía Miranda (38)

Konzept/Regie/Textfassung: Jörg Fürst, Musikkomposition: Peter Eisold, Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening: Susann Martin, Lichtdesign: Veit Griess „Kerp Holz“, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Technische Mitarbeit: Christian Bohne, Dietrich Schuckließ, Ausstattungsassistenz: Sina Gröner, Produktionsleitung A.TONAL: Suse Bertholt, Produktionleitung VolXbühne: Renate Grimaldi, Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä, Köln, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, Fotodokumentation: Jürgen Brinkmann, artfocus, Mülheim an der Ruhr, Videodokumentation: Susann Martin, miTschniTT, Köln

Eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) und VolXbühne – Ensemble der Generationen am Theater an der Ruhr in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr, Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln und Alte Feuerwache Köln. Gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur des Landes Nordrhein Westfalen und die MEG – Mülheimer Entsorgungsgesellschaft.

Mit theatraler Führung zu Sankt Gertrud, Krefelder Straße 55, Köln „Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht. Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht! Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aber wie kann man ihr entgehen? Das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Von dort wird der Besucher in eine monumentale offene katholische Kirche geleitet, einem Ort der Begegnung und Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Das Stück zeigt eine Gerichtsverhandlung, die unvereinbaren Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert. mit: Asta Nechajute, Fabian Kuhn, Lucia Schulz | Tanz: Katharina Sim Regie: Andrea Bleikamp Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich Ausstattung/Lichtdesign: Claus Stump, Jan Wiesbrock | Musik/Sound: Sergej Maingardt | Video: Jens Standke | Technik: Jens Kuklik, Jan Wiesbrock | PR: Mechthild Tellmann | Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä Produziert von WEHR51, in Kooperation mit Freihandelszone - Ensemblenetzwerk Köln Wir danken unserem Gastgeber sankt gertrud: kirche + kultur Gefördert durch: RheinEnergie Stiftung Kultur, Kunststiftung NRW, Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste

Mit theatraler Führung zu Sankt Gertrud, Krefelder Straße 55, Köln „Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht. Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht! Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aber wie kann man ihr entgehen? Das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Von dort wird der Besucher in eine monumentale offene katholische Kirche geleitet, einem Ort der Begegnung und Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Das Stück zeigt eine Gerichtsverhandlung, die unvereinbaren Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert. mit: Asta Nechajute, Fabian Kuhn, Lucia Schulz | Tanz: Katharina Sim Regie: Andrea Bleikamp Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich Ausstattung/Lichtdesign: Claus Stump, Jan Wiesbrock | Musik/Sound: Sergej Maingardt | Video: Jens Standke | Technik: Jens Kuklik, Jan Wiesbrock | PR: Mechthild Tellmann | Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä Produziert von WEHR51, in Kooperation mit Freihandelszone - Ensemblenetzwerk Köln Wir danken unserem Gastgeber sankt gertrud: kirche + kultur Gefördert durch: RheinEnergie Stiftung Kultur, Kunststiftung NRW, Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste

Mit theatraler Führung zu Sankt Gertrud, Krefelder Straße 55, Köln „Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht. Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht! Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aber wie kann man ihr entgehen? Das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Von dort wird der Besucher in eine monumentale offene katholische Kirche geleitet, einem Ort der Begegnung und Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Das Stück zeigt eine Gerichtsverhandlung, die unvereinbaren Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert. mit: Asta Nechajute, Fabian Kuhn, Lucia Schulz | Tanz: Katharina Sim Regie: Andrea Bleikamp Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich Ausstattung/Lichtdesign: Claus Stump, Jan Wiesbrock | Musik/Sound: Sergej Maingardt | Video: Jens Standke | Technik: Jens Kuklik, Jan Wiesbrock | PR: Mechthild Tellmann | Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä Produziert von WEHR51, in Kooperation mit Freihandelszone - Ensemblenetzwerk Köln Wir danken unserem Gastgeber sankt gertrud: kirche + kultur Gefördert durch: RheinEnergie Stiftung Kultur, Kunststiftung NRW, Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste

Mit theatraler Führung zu Sankt Gertrud, Krefelder Straße 55, Köln „Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht. Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht! Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aber wie kann man ihr entgehen? Das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Von dort wird der Besucher in eine monumentale offene katholische Kirche geleitet, einem Ort der Begegnung und Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Das Stück zeigt eine Gerichtsverhandlung, die unvereinbaren Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert. mit: Asta Nechajute, Fabian Kuhn, Lucia Schulz | Tanz: Katharina Sim Regie: Andrea Bleikamp Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich Ausstattung/Lichtdesign: Claus Stump, Jan Wiesbrock | Musik/Sound: Sergej Maingardt | Video: Jens Standke | Technik: Jens Kuklik, Jan Wiesbrock | PR: Mechthild Tellmann | Öffentlichkeitsarbeit: neurohr & andrä Produziert von WEHR51, in Kooperation mit Freihandelszone - Ensemblenetzwerk Köln Wir danken unserem Gastgeber sankt gertrud: kirche + kultur Gefördert durch: RheinEnergie Stiftung Kultur, Kunststiftung NRW, Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, NRW Landesbüro Freie Darstellende Künste