In der zweijährigen Veranstaltungsreihe Jäten im Paradies der Freihandelszone, konzipiert und durchgeführt vom WEHR51 und dem Kunsthof Galm, sind gleich vier Veranstaltungen vorgesehen:

06.09.2020, 14–17 Uhr
ALEXANDER AUF DER HAVEL ist eine theatrale Schiffsfahrt auf den Spuren Alexander von Humboldts und der Renaturierung der Havel mit dem Initiator Roccu Buchta vom NABU.

26.09.2020, 14–22 Uhr
MILOWER LAND & LEUTE ist eine inszenierte Busreise durch die flächengroße Gemeinde. Eine unterhaltsame Exkursion mit vielen künstlerischen Einlagen, kleinen Tanzperformances, einem Konzert, einer Ausstellung, Führungen durch Kulturorte und kleinen szenischen Interventionen.

03.10.2020, 19 Uhr
VERSPROCHEN IST VERSPROCHEN findet am Tag der Deutschen Einheit statt. Ein Datum so groß wie das Thema. Was haben wir nicht alles versprochen, im Großen wie im Kleinen, in der Politik wie im Privaten. Ein Theater-Kneipen-Abend des kanaltheater Eberswalde zu Gast im Milower Land.

17.10.2020, 17–22 Uhr
NachtLichtGedicht ist eine Exkursion ins Dunkel in den Sternenpark in Gülpe, mit einer moderierten Busfahrt, einer mythologischen Sternenführung und einer Lesung mit Nacht-Gedichten in der neoromanischen Kirche von Gülpe.

Konzept: Rosi Ulrich, Annette und Gerhard Göschel (siehe auch www.jaetenimparadies.de)

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

24. September 2020 (Premiere)

Weitere Aufführungen in Köln: 24.09./25.09./26.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Premiere in Mülheim (Theater an der Ruhr): 1. Oktober 2020

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

24. September 2020 (Premiere)

Weitere Aufführungen in Köln: 24.09./25.09./26.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Premiere in Mülheim (Theater an der Ruhr): 1. Oktober 2020

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Pía Miranda (Cuatro, Posaune & Gesang) & Susann Martin (Live-Video)
Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Musikkomposition: Paz & Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsleitung Mülheim an der Ruhr: Heike Westhofen, Renate Grimaldi, Produktionsassistenz: Anna Scholz-Sadebeck, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sartor (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln)

Termine im Überblick:
Köln - Orangerie Theater
24. September 2020 (Premiere), 24.09./25.09./26./27.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Mülheim - Theater an der Ruhr
1./2./3. Oktober 2020

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Pía Miranda (Cuatro, Posaune & Gesang) & Susann Martin (Live-Video)
Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Musikkomposition: Paz & Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsleitung Mülheim an der Ruhr: Heike Westhofen, Renate Grimaldi, Produktionsassistenz: Anna Scholz-Sadebeck, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sartor (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln)

Termine im Überblick:
Köln - Orangerie Theater
24. September 2020 (Premiere), 24.09./25.09./26./27.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Mülheim - Theater an der Ruhr
1./2./3. Oktober 2020

In der zweijährigen Veranstaltungsreihe Jäten im Paradies der Freihandelszone, konzipiert und durchgeführt vom WEHR51 und dem Kunsthof Galm, sind gleich vier Veranstaltungen vorgesehen:

06.09.2020, 14–17 Uhr
ALEXANDER AUF DER HAVEL ist eine theatrale Schiffsfahrt auf den Spuren Alexander von Humboldts und der Renaturierung der Havel mit dem Initiator Roccu Buchta vom NABU.

26.09.2020, 14–22 Uhr
MILOWER LAND & LEUTE ist eine inszenierte Busreise durch die flächengroße Gemeinde. Eine unterhaltsame Exkursion mit vielen künstlerischen Einlagen, kleinen Tanzperformances, einem Konzert, einer Ausstellung, Führungen durch Kulturorte und kleinen szenischen Interventionen.

03.10.2020, 19 Uhr
VERSPROCHEN IST VERSPROCHEN findet am Tag der Deutschen Einheit statt. Ein Datum so groß wie das Thema. Was haben wir nicht alles versprochen, im Großen wie im Kleinen, in der Politik wie im Privaten. Ein Theater-Kneipen-Abend des kanaltheater Eberswalde zu Gast im Milower Land.

17.10.2020, 17–22 Uhr
NachtLichtGedicht ist eine Exkursion ins Dunkel in den Sternenpark in Gülpe, mit einer moderierten Busfahrt, einer mythologischen Sternenführung und einer Lesung mit Nacht-Gedichten in der neoromanischen Kirche von Gülpe.

Konzept: Rosi Ulrich, Annette und Gerhard Göschel (siehe auch www.jaetenimparadies.de)

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Pía Miranda (Cuatro, Posaune & Gesang) & Susann Martin (Live-Video)
Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Musikkomposition: Paz & Pía Miranda, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsleitung Mülheim an der Ruhr: Heike Westhofen, Renate Grimaldi, Produktionsassistenz: Anna Scholz-Sadebeck, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sartor (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln)

Termine im Überblick:
Köln - Orangerie Theater
24. September 2020 (Premiere), 24.09./25.09./26./27.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Mülheim - Theater an der Ruhr
1./2./3. Oktober 2020

Performative Aktionen im öffentlichen Raum

Das make a move collective inszeniert Choreographien auf der Schwelle von zeitgenössischem Tanz und Parkour, die sich entlang einer Route durch den Stadtraum ziehen und ebenso plötzlich wieder verschwinden wie sie entstehen: POSITIVE ANSCHLÄGE, die zum Nachdenken anregen, wie unvoreingenommen wir eigentlich unseren alltäglichen Wegen durch den urbanen Raum folgen. Ausschnitte der performativen Arbeit laden ein, genau hinzusehen, die Umgebung und Architektur aus einer anderen Perspektive zu erfahren und dadurch selbst in Bewegung zu kommen. Eine alternative Betrachtung des städtischen Raums als kreative Belebung.

Gefördert durch Kulturamt der Stadt Köln, Kunststiftung NRW, NRW Landesbüro freie darstellende Künste, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, unterstützt von MOUVOIR / Stephanie Thiersch

„Der Sperrbildschirm auf dem Handy meines Sohnes ist ein pinkes Einhorn. Als ich ein Teenager war, hielt ich mich von allem, was pink war, fern. Von Einhörnern hatte ich nie gehört, Handys gab es nicht.“, sagt der aus Kuba stammende Tänzer Alexis Fernández. Er steht in „Pink Unicorns“ gemeinsam mit seinem Sohn auf der Bühne. Erfahrung trifft auf jugendliches Ungestüm. Vermeintliche Abgeklärtheit wird voller Neugier in Frage gestellt. In dem wilden Tanztheater geht es um das nicht immer leichte Verhältnis zwischen den Generationen.

Kreation: Caterina Varela, Samir Akika, Alexis Fernández / Interpretation: Alexis Fernández, Paulo Fernández / Lichtdesign: Afonso Castro / Bühne: Tilo Schreieck / Produktionsleitung: Caterina Varela / Produktion: La Macana / Koproduktion: AGADIC, Theater im Pumpenhaus Münster, Theater Bremen

The sky was different, it was not the same. 

The colors were vibrant and the light unbearable.

In the endless plains, the horizon remained distinct.

The sounds became mysterious, and the air overwhelming.

And yet we looked alike, but never really reached each other.

Their fingerprints were useless, we had to engrave ours forever.

In „Strange Land“ improvisieren die Fotografin Randa Mirza und der Musiker Waël Kodaih mit sehr frühen Fotografien und Sound-Aufnahmen aus dem Arabischen Raum. Sie beschwören eine schillernde Welt herauf, die unsere Zeit in Frage stellt. Strandurlaube, erstarrte Posen auf Portraits  und kleinbürgerliche Walzerabende; die fotografischen Archivalien aus der Arabischen Renaissance überlagern die musikalischen Aufnahmen der Musik des „Tarab“ aus derselben Ära. Das Publikum wird in eine chaotische Klang-Landschaft hineingezogen, die von Geistern und Schemen bewohnt wird.

Konzept: Randa Mirza (La Mirza) und Wael Koudaih (RayessBek). Randa Mirza : Photographien, Objektive, Kameras. Wael Koudaih : Tapes, Samplers, Buzuq. Rima Ben Brahim: Licht Design

„Strange Land” wird unterstützt von AFAC, the Arab Image Foundation, Hammana Artist House und der Kunststiftung NRW.

Im Stile eines Wirtschaftsthrillers bringt CUM-EX PAPERS den vermutlich komplexesten Finanzskandal der Jetztzeit auf die Bühne.

Investoren und Banken bereichern sich mit phantasievollen Steuertricks auf Kosten des Sozialwesens. Mit welcher Rechtfertigung lehnen sie eine Verantwortung gegenüber der Gemeinschaft ab? Wer empört sich darüber? Warum liegt die Strafverfolgung weit hinter den Tricksern zurück? Ein Jahr recherchierten Journalist:innen aus zwölf Ländern im Verborgenen, das Theaterteam durfte den journalistischen Prozess begleiten.

Es spielen: Ruth Marie Kröger, Jonas Anders und Günter Schaupp / Recherche und Text: Franziska Bulban und Alexandra Rojkov / Regie: Helge Schmidt / Choreographie: Jonas Woltemate / Ausstattung: LANIKA (Lani Tran-Duc, Anika Marquardt) / Video: Johanna Seitz / Musik: Frieder Hepting / Licht: Sönke C. Herm / Produktionsleitung: Zwei Eulen / Produktionsassistenz: Laura Uhlig / Regieassistenz: Judith Wessbecher

Eine Kollaboration von CORRECTIV, ARD-Panorama, LICHTHOF Theater, Helge Schmidt und Team. Gefördert durch die Freie und Hansestadt Hamburg, Behörde für Kultur und Medien und den Fonds Darstellende Künste, die Ilse und Dr. Horst Rusch-Stiftung sowie durch das Netzwerk Freier Theater.

Am Anfang der Shared-Studios war ein alter Menschheitstraum: Wie wäre es, wenn man durch einen Schrank, eine Wand oder einen Spiegel gehen könnte – und man wäre in einer anderen Welt? Einer anderen Stadt? Und zwar nicht in einem Online-Chat am Bildschirm, sondern in einem Raum, in dem man Fremde trifft, ohne aus der Kamera gehen zu können, ohne sich wegdrehen zu können? Dann entsteht eine Situation, die anfangs von Unsicherheit und Verlegenheit geprägt sein kann ... man kichert ... weiß nicht, was man sagen soll. Aber wenn man durch diesen Moment hindurch geht, dann geht der Kopf auf und man kann sich wirklich für kurze Zeit in aller Offenheit mit anderen Menschen verbinden. Zusammen mit Shared_Studios reisen wir nach Kanada und Afghanistan zu einer unausweichlichen Begegnung. Lassen Sie sich überraschen!

Kurator und Gastgeber: Ron van der Sterren

Kerstin Unger ist Videokünstlerin aus Köln, Schwerpunkt ihrer Arbeit sind experimentelle Animationen. Bei URBÄNG! entwickelt sie – begleitet von einem DJ-Set – live Szenarien, die die Fassaden im Garten der Orangerie zu einem bewegten Leben erwecken. Kerstin Unger studierte an der KHM in Köln. Ihr Puppentrickfilm „Moirai“, den sie zusammen mit Jasper Diekamp realisierte, lief auf zahlreichen internationalen Festivals. Außerdem experimentiert sie mit 360-Grad-Animationen. Für WEHR51 kreierte sie die 20-minütige Animation „OPN“ in dem Stück „ERSCHÖPFTE DEMOKRATIE“

Zeichnungen: Kerstin Unger

Wissen Sie, was Menschen im südukrainischen Kherson über den westlichen Kapitalismus denken? Haben Sie einen Brieffreund in der kirgisischen Hauptstadt Bishkek, durch den Sie erfahren, wie die Menschen dort ihre Familie ernähren, trotz ökonomischer Krise?

Pakete und Briefe von Unbekannten, persönliche Geschichten von der Suche nach Glück und den eigenen Träumen von der Zukunft offenbaren, was all das auch mit Wirtschaft, Arbeit und Geld zu tun hat. Wo erkennen Sie sich in den Gedanken der Unbekannten wieder?

SENDER UNKNOWN ist eine theatrale Völker-Begegnung, die herausfinden möchte, was die Menschen in ihrem Leben wirklich bewegt. Es gilt eine gemeinsame Vision von Glück zu finden, die nicht an Staatsgrenzen endet.

Leitung: André Erlen (Futur3, Deutschland), Mykola Homanyuk (Totem Lab, Ukraine), Shamil Dyikanbayev (YTS, Kirgisistan) | Künstlerische Mitarbeit: Stefan H. Kraft | Projektleitung: Theresa Heußen (Futur3, Deutschland), Zhamilia Keldibaeva (YTS, Kirgisistan) | Soziologische Beratung: Mykola Homanyuk (Cherson State University, Ukraine) | Videos, Fotos und Comics: Maksym Afanasyev (Totem Lab, Ukraine)

Mit freundlicher Unterstützung von: Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes Nordrhein-Westfalen, Goethe-Institut

Davor und danach (17:30 – 18:00, 19:00 – 20:30, 21:30 – open end): DJ patty cologne

Ein Mann, ein Plattenspieler mit 45 Umdrehungen/Minute, ein Koffer voller Single-Raritäten … DJ patty cologne lädt uns im URBÄNG!-Dschungel ein zu einer überraschenden Reihe von Ohrenküssen.

Am Anfang der Shared-Studios war ein alter Menschheitstraum: Wie wäre es, wenn man durch einen Schrank, eine Wand oder einen Spiegel gehen könnte – und man wäre in einer anderen Welt? Einer anderen Stadt? Und zwar nicht in einem Online-Chat am Bildschirm, sondern in einem Raum, in dem man Fremde trifft, ohne aus der Kamera gehen zu können, ohne sich wegdrehen zu können? Dann entsteht eine Situation, die anfangs von Unsicherheit und Verlegenheit geprägt sein kann ... man kichert ... weiß nicht, was man sagen soll. Aber wenn man durch diesen Moment hindurch geht, dann geht der Kopf auf und man kann sich wirklich für kurze Zeit in aller Offenheit mit anderen Menschen verbinden. Zusammen mit Shared_Studios reisen wir nach Kanada und Afghanistan zu einer unausweichlichen Begegnung. Lassen Sie sich überraschen!

Kurator und Gastgeber: Ron van der Sterren

Unsere schöne heile Welt der „wunderbaren Möglichkeiten” zerlegt sich gerade selbst. Die Temperatur steigt – unsere Gesellschaft wird nach und nach „hartgekocht”.

Die Kölner Musik-Szene hat sich schon oft zum Widerstand vereint. In dieser Tradition steht HARD BOILED WONDERLAND – ein internationales Kollektiv, das auch die Crème de la Crème der Kölner Nachwuchsszene zusammenführt.

HARD BOILED WONDERLAND präsentiert eine textlich gewagte, anspruchsvolle Musikshow als Reaktion auf die gesellschaftlichen, sozialen und ökologischen Themen der Zeit: Flüchtlinge, Klima, Fake News, Verschwörung, Mikro-Plastik, Regenwald, Müll, Konsum, Digitales Leben, Me too, Shitstorms, Greta, Rassismus ...

Preisgekrönte Musiker aus verschiedenen musikalischen Genres (Jazz, Indie, Rock, Folk, Avantgarde) vereinen sich im gemeinsamen Widerstand: Lautstark, ironisch, poetisch, schonungslos und kreativ.

Tamara Lukasheva (Ukraine) – Gesang / Marjana Sadovska (Ukraine) – Gesang / Maximilian Hilbrand (D) – Gesang / Sprecherensemble  „Les Saxosythes“– 4stimmig / Theresia Phillip – Saxophon, Flöten / Matthias Muche – Posaune / Lucas Leidinger – Keyboards, Piano / Thomas Sauerborn – Schlagzeug / Christian Lorenzen – Keyboards / Sebastian Gramss – Kontrabass / Rodrigo Lopez-Klingenfuss (Argentinien) – Gitarre / Hardboiled Wonderland wird gefördert vom NRW Landesbüro für Freie Darstellende Künste.

Davor und danach (17:30 – 18:00, 19:00 – 20:30, 21:30 – open end): DJ patty cologne

Ein Mann, ein Plattenspieler mit 45 Umdrehungen/Minute, ein Koffer voller Single-Raritäten … DJ patty cologne lädt uns im URBÄNG!-Dschungel ein zu einer überraschenden Reihe von Ohrenküssen.

Am Anfang der Shared-Studios war ein alter Menschheitstraum: Wie wäre es, wenn man durch einen Schrank, eine Wand oder einen Spiegel gehen könnte – und man wäre in einer anderen Welt? Einer anderen Stadt? Und zwar nicht in einem Online-Chat am Bildschirm, sondern in einem Raum, in dem man Fremde trifft, ohne aus der Kamera gehen zu können, ohne sich wegdrehen zu können? Dann entsteht eine Situation, die anfangs von Unsicherheit und Verlegenheit geprägt sein kann ... man kichert ... weiß nicht, was man sagen soll. Aber wenn man durch diesen Moment hindurch geht, dann geht der Kopf auf und man kann sich wirklich für kurze Zeit in aller Offenheit mit anderen Menschen verbinden. Zusammen mit Shared_Studios reisen wir nach Kanada und Afghanistan zu einer unausweichlichen Begegnung. Lassen Sie sich überraschen!

Kurator und Gastgeber: Ron van der Sterren

19.30 – 20.10
Sheena McGrandles – FIGURED

Eine Wand, ein Beat, ein Knistern, Pochen, Warten, Erwarten. Ist das ein Auftritt? Ist das ein Blick, ein Zucken? Zwei Figuren beginnen eine diskontinuierliche Reise entlang dieser Wand, sie tauchen auf und verschwinden wieder, sie nähern sich einander, verharren, schieben sich vorwärts, rückwärts. Cut. Repeat. Die Körper formieren sich, wie von selbst, in Posen und Gesten des Begehrens, Sichannäherns und Fliehens, sie wecken Erinnerungen an lang vergangene schwüle Nachmittage im dämmrigen Park... oder auch ganz andere Orte und Zeiten. Beständig entstehen in der Wiederholung kleinster Bewegungen, in feinen Rhythmisierungen neue Bilder und Beziehungen, Stimmungen und Spannungen. Repetitive Bewegungsmuster entfalten eine eigene Narration des Obsessiven. Die Berliner Choreographin Sheena McGrandles performt mit Annegret Schalke zum Live-Sound aus Field-Recordings von Stellan Veloce.

Konzept & Regie: Sheena McGrandles / Performerinnen: Sheena McGrandles, Annegret Schalke / Sound: Stellan Veloce / Lichtdesign: Annegret Schalke / Bühne: Sheena McGrandles / Licht: Elliott Cennetoglu / Outside eye: Zinzi Buchanan, Thomas Schaupp / Tourmanager: ehrliche arbeit - freies Kulturbüro

20.15 – 20.30
Cupcake – SURPRISE & GLAMOUR

Die mehrfach preisgekrönte genderfluide Drag Queen Cupcake (u.a. Miss Kotti 2019) mit Wurzeln in Beirut und seit 2017 based in Berlin reist aus der Hauptstadt an – im Gepäck eine Performanceintervention, eigens konzipiert für die Orangerie.

Performance und Konzept: Hassan Dib aka Cupcake

20.30 – 20.45
Marie-Zoe Buchholz – FEMINA SAGA (Preview, Ausschnitt)

Rebellisch und laut, provokant und hyperfeminin gibt die Düsseldorfer Performance-Künstlerin Marie-Zoe Buchholz eine queere, feministische Antwort auf Sexismus, Patriarchat und den männlichen Blick, der die Menschheitsgeschichte(n) als weiß und heteronormativ erzählt. In einem Ausschnitt ihrer ersten abendfüllenden Solo-Performance FEMINA SAGA vereint sie Voguing, Poetry, Kostüm und Gesang und erzählt Geschichte aus weiblicher Perspektive.

Künstlerische Leitung, Performance: Marie-Zoe Buchholz / Produktionsleitung: Teresa Zschernig / Choreographische Assistenz: Eray Gülay / Outsideeye: Stephanie Thiersch / Musikalische Leitung: Isabella Forster / Kostümdesign: Sergio Abajur / Technische Leitung, Lichtdesign: Julia de Werth / Videographie: Ramona Buschaus, Erwin Atienza / Fotografie: Eva Berten

21:00 – 22:00
Diskussion für alle mit allen und Gästen

Mit: Marie-Zoe Buchholz, Hassan Dib aka Cupcake und Dr. Susanne Spindler, Sheena McGrandles (tbc) / Moderation: Anna Volkland

Die Performances des Abends stellen auf ganz unterschiedliche Weise Fragen danach, wer auf wen schaut, wer sich welche Gesten aneignet und sie als männlich oder weiblich ausgibt – oder uneindeutig mit ihnen spielt. Wer begehrt, wer empfindet nach, wer stellt aus und kritisiert, wer fordert ein und fordert heraus? Was ist das Fremde, was das Eigene? Was erscheint warum außergewöhnlich? Das Publikum ist eingeladen, mit den Künstler*innen Sheena McGrandles (Nordirland/Berlin), Marie-Zoe Buchholz (Düsseldorf) und Hassan Dib (Libanon/Berlin) sowie der u.a. zu Männlichkeitsbildern im Migrationskontext forschenden Sozialwissenschaftlerin Prof. Dr. Susanne Spindler (Hochschule Düsseldorf) über das Gesehene bzw. Gezeigte zu sprechen. Trotz ganz verschiedener Erfahrungen, Identitäten, Positionen, Privilegien und Verletzbarkeiten wollen wir queere Verbindungen entdecken und mit allen Anwesenden solidarische Differenzen diskutieren. Kuratiert in Zusammenarbeit mit Anna Volkland.

FEMALE GAZE? findet im Rahmen des Projekts GASTGEBERSCHAFT Tanzpakt Stadt-Land-Bund statt. Stephanie Thiersch und MOUVOIR laden Künstler*innen jedweden Geschlechts ein, Einsichten, Aussichten und Absichten feministischer Kunst zu zeigen. Kuratiert in Zusammenarbeit mit Anna Volkland.

Am Anfang der Shared-Studios war ein alter Menschheitstraum: Wie wäre es, wenn man durch einen Schrank, eine Wand oder einen Spiegel gehen könnte – und man wäre in einer anderen Welt? Einer anderen Stadt? Und zwar nicht in einem Online-Chat am Bildschirm, sondern in einem Raum, in dem man Fremde trifft, ohne aus der Kamera gehen zu können, ohne sich wegdrehen zu können? Dann entsteht eine Situation, die anfangs von Unsicherheit und Verlegenheit geprägt sein kann ... man kichert ... weiß nicht, was man sagen soll. Aber wenn man durch diesen Moment hindurch geht, dann geht der Kopf auf und man kann sich wirklich für kurze Zeit in aller Offenheit mit anderen Menschen verbinden. Zusammen mit Shared_Studios reisen wir nach Kanada und Afghanistan zu einer unausweichlichen Begegnung. Lassen Sie sich überraschen!

Kurator und Gastgeber: Ron van der Sterren

Nominiert zum Kölner Theaterpreis

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert sie keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

Nominiert zum Kölner Theaterpreis

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert sie keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

In der zweijährigen Veranstaltungsreihe Jäten im Paradies der Freihandelszone, konzipiert und durchgeführt vom WEHR51 und dem Kunsthof Galm, sind gleich vier Veranstaltungen vorgesehen:

06.09.2020, 14–17 Uhr
ALEXANDER AUF DER HAVEL ist eine theatrale Schiffsfahrt auf den Spuren Alexander von Humboldts und der Renaturierung der Havel mit dem Initiator Roccu Buchta vom NABU.

26.09.2020, 14–22 Uhr
MILOWER LAND & LEUTE ist eine inszenierte Busreise durch die flächengroße Gemeinde. Eine unterhaltsame Exkursion mit vielen künstlerischen Einlagen, kleinen Tanzperformances, einem Konzert, einer Ausstellung, Führungen durch Kulturorte und kleinen szenischen Interventionen.

03.10.2020, 19 Uhr
VERSPROCHEN IST VERSPROCHEN findet am Tag der Deutschen Einheit statt. Ein Datum so groß wie das Thema. Was haben wir nicht alles versprochen, im Großen wie im Kleinen, in der Politik wie im Privaten. Ein Theater-Kneipen-Abend des kanaltheater Eberswalde zu Gast im Milower Land.

17.10.2020, 17–22 Uhr
NachtLichtGedicht ist eine Exkursion ins Dunkel in den Sternenpark in Gülpe, mit einer moderierten Busfahrt, einer mythologischen Sternenführung und einer Lesung mit Nacht-Gedichten in der neoromanischen Kirche von Gülpe.

Konzept: Rosi Ulrich, Annette und Gerhard Göschel (siehe auch www.jaetenimparadies.de)

VOYANCE / HELLSEHEN stellt die intensive, poetisch-musikalische Sprache des ekstatischen Dichters Arthur Rimbaud in den Fokus heutiger Klangexperimente, in denen auch die heutigen Rimbaud-Kommentare von Patti Smith eine besondere Rolle spielen. Das Projekt basiert auf eigenen Übersetzungen u.a. von Rimbauds „Alchemie des Wortes“ und „Nacht in der Hölle“.

Mit: Bettina Marugg – Stimme; Fuensanta Mendez –  Stimme, Kontrabass; Norbert Rodenkirchen –  Flöte, Gitarre, Elektronik; Jörg Fürst – Stimme, Regie, Klangregie 

Lyrik Sound & Co wird gefördert durch die NRW Regionale Kulturpolitik Rheinschiene und das Kulturamt der Stadt Köln.

Nominiert zum Kölner Theaterpreis

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert sie keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

Nominiert zum Kölner Theaterpreis

"Das Ensemble experimentiert und stellt Fragen, doch Antworten liefert sie keine. Statt dessen versucht man die Leerstelle mit Kunst zu stopfen: Eine sich überlagernde Kakophonie aus Bild, Musik, Schauspiel und Tanz zeigt die Vielschichtigkeit des Themas. Gerade das macht 'IS Deutsche Räuber im Dschihad' aber zum politischen Theater - und zu einem Kunsterlebnis." (StadtRevue)

Erstaunt, ungläubig und mit Unverständnis beobachtet die westliche Welt, wie ihre eigenen Kinder die Heimat verlassen, um in einen Krieg zu ziehen, den sie Dschihad und der Westen Terrorismus nennt. Dieser Krieg richtet sich gegen die Werte und Prinzipien der Gesellschaften, aus denen sie kommen, gegen Demokratie und Toleranz. Dabei ist Terrorismus nach dem Militärstrategen Carsten Bockstette weniger eine Militär-, sondern vielmehr eine Kommunikationsstrategie. So schenkt das Selbstmordattentat demjenigen uneingeschränkte mediale Aufmerksamkeit, der sonst nicht zu Wort kommt. Wenn wir heute von Selbstmordattentat reden, dann denken wir zu allererst an den islamistischen fundamentalistischen Terrorismus. Doch diese Annahme lässt außer Acht, dass deutsche/westliche Geschichte und Literatur auch Beispiele hierfür hat. In Schillers Räuber findet sich in Karl Mohr, der eigentlich eine Lichtgestalt ist, eine dunkle Schattenseite. Er gründet eine Räuberbande, raubt und mordet, um den Armen zu geben, doch am Ende erschrickt er selber über die Gewaltexzesse – späte Einsicht.

"Ich fühle eine Armee in meiner Faust - Tod oder Freiheit!" - Die Räuber II, 3 / Karl Moor

Welches Menschenbild liegt dem zugrunde? Was bewegt diese jungen Menschen? Finden sie in der Radikalisierung, im Islamismus/im Räubertum einen Gegenentwurf zum verweichlichten Elternhaus? Ist der Weg in den Dschihad eine Jugendkultur, eine Rebellion gegen das Wertesystem der Gesellschaft oder dessen Fehlen? Der Weg führt in die Wüste oder in den Wald und schließlich vor Gericht!

Auf der Folie von Schillers „Die Räuber“, spiegelt der Vater Sohn Konflikt den Generationenkonflikt und das Aufbegehren gegen die Gesellschaft, die Bildung einer Räuberbande ist logische Konsequenz – der Weg in den Dschihad auch? Es zeigt Gemeinsamkeiten, die über zeitliche und kulturelle Dimensionen hinausgehen und legt die Annahme nahe, dass Gewalt in der Natur des Menschen verankert ist:  Aberwie kann man ihr entgehen?

In der Freihandelszone beginnt das Stück mit einer performativen „Räuber“-Installation. Der Gründung einer Bande und ihrer Sprengung. Von dort wird der Besucher in das monumentale Kirchengebäude von Sankt Gertrud geleitet, einem Ort der offenen Begegnung und religiösen Auseinandersetzung, der Liebe und der Kunst, aber auch zu einer Gerichtsverhandlung, die unvereinbare Gegensätze und Positionen gegenüberstellt. Wie bei einer Sitzung des UN Sicherheitsrats folgt der Zuschauer über Kopfhörer der Verhandlung auf der Chorempore. Verschiedene Stationen, Videoprojektionen, Spielszenen, Zeugenbefragungen, Blickachsen und der phänomenale Raumklang der Kirche ergeben wechselnde Perspektiven, sowohl gedanklich als auch visuell. Der Aufbau ist wie das klassische Drama in 5 Akte gegliedert.

Regie: Andrea Bleikamp / Textfassung & Dramaturgie: Rosi Ulrich / Video: Jens Standke / Musik: Sergej Maingardt / Ausstattung: Claus Stump / Licht: Jan Wiesbrock / Technik: Jens Kuklik / Regie-Assistenz & Abendbetreuung: Gina Bensch & Sarah Blasco Guitérrez

Mit: Asta Nechajute, Luica Schulz, Fabian Kuhn, Katharina Sim

Licht und Dunkel, zwei widerstreitende Zustände, denn Licht vertreibt das Dunkel. Das Thema dieser Reise, die nach Gülpe in den Sternenpark geht, führt uns auf poetische Weise in fiktionale und realistische Szenarien, von der Erde in den Himmel.

Die moderierte Busreise verbindet Kulturorte in Gülpe, wie das Atelier der Kreativoase mit Wissenswertem zum Thema Lichtverschmutzung, einer mythologischen Führung durch den nächtlichen Sternenhimmel und einer sinnlichen Lesung zur Nacht in der Kirche.

Die Lesung verbindet Gedichte berühmter Autoren und Werke aus einem literarischen Wettbewerb, an dem alle Interessierten teilnehmen können. Scheuen Sie sich also nicht, seien Sie dabei, schicken Sie uns Texte zur Nacht, zu Licht oder Sternen. Eine Jury wählt 5 Werke aus den Einsendung für die Lesung aus.

Datum: 17. Oktober 2020, 15 – 22 Uhr
Abfahrt mit dem Bus: Am Amt in Milow
Friedenstr. 86, 14715 Milower Land OT Milow
Beitrag: 25 / erm. 10 Euro
Reservierung: info@jaetenimparadies.de oder tel. 0160 8020996
Begrenzte Platzkapazität aufgrund der Abstandsregeln.
Es wird gebeten, einen eigenen Mund-Nasen-Schutz mitzubringen.

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

24. September 2020 (Premiere)

Weitere Aufführungen in Köln: 24.09./25.09./26.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Premiere in Mülheim (Theater an der Ruhr): 1. Oktober 2020

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

24. September 2020 (Premiere)

Weitere Aufführungen in Köln: 24.09./25.09./26.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Premiere in Mülheim (Theater an der Ruhr): 1. Oktober 2020

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

24. September 2020 (Premiere)

Weitere Aufführungen in Köln: 24.09./25.09./26.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Premiere in Mülheim (Theater an der Ruhr): 1. Oktober 2020

Eine Musikperformance mit den chilenischen Zwillingsschwestern Paz & Pía Miranda

TWINS – mit den chilenischen Zwillingsschwestern Pía (Posaunistin & Sängerin) und Paz (Sängerin & Querflötistin) Miranda – beschäftigt sich mit Wohl und Wehe eineiiger Zwillinge. Es ist eine performative Auseinandersetzung mit Fragen der Identität vor dem faszinierenden und geheimnisvollen Hintergrund der doppelten Anwesenheit: Wer ist wer? Wo sind sie nur sie selbst? Wo verschwimmen Identitätsgrenzen? Wie lässt sich angesichts der doppelten Anwesenheit die Einmaligkeit des Einzelnen – die eigene Identität – behaupten? Wie lebt es sich mit einer Doppelgängerin? Wie werden sie einzeln und zusammen wahrgenommen? Was macht Identität überhaupt aus?

Ein auf dem spannenden gemeinsamen biografischen Hintergrund aufgebautes Entdeck- und Verdeckspiel mit dem Spiegelbild beginnt. Beide Frauen kamen vor gut 15 Jahren aus dem entlegenen Dorf Ovalle in Chile nacheinander nach Köln, um an der Musikhochschule Köln Posaune (Pía) sowie Jazzgesang und Querflöte (Paz) zu studieren.

Mit: Pía Miranda (Posaune & Gesang), Paz Miranda (Querflöte & Gesang), Susann Martin (Live-Video) Regie/Konzept/Text: Jörg Fürst, Video/Blog: Susann Martin, Bühne & Kostüme: Monika Odenthal, Lichtdesign: Kerp Holz, Produktionsleitung: Jule Klemm; Produktionsassistenz: N.N., Technische Leitung: Dirk Lohmann, Layoutdesign: molter&sator (Düsseldorf), PR: neurohr&andrä (Köln); Videodokumentation: Susann Martin, Fotodokumentation: Martin Rottenkolber

24. September 2020 (Premiere)

Weitere Aufführungen in Köln: 24.09./25.09./26.09.2020 und 11.11./12.11./13.11/14.11.2020

Premiere in Mülheim (Theater an der Ruhr): 1. Oktober 2020

Im Rahmen von Move! Krefelder Tage für modernen Tanz.

21.11.2020, 17.30 und 20.30 Uhr

Gemeinsam mit ihrer langjährigen Weggefährtin Viviana Escalé untersucht die Choreografin Stephanie Thiersch mögliche und bekannte Formen weiblicher Selbstinszenierung. Damit knüpft sie an ihre Soli zu Frauenfiguren „Under Green Ground“ von 2005 und „Beautiful me“ von 2007 an. „Bruixa“ zeigt das persönliche Portrait einer Tänzerin am Ende ihrer Bühnenkarriere. Das Publikum ist Teil einer improvisiert wirkenden Versuchsanordnung, in der sich Escalé ständig neu erfindet. Erst geschlechtslos zwischen Tier und Pflanze changierend, geht sie im nächsten Moment fast vollständig im romantisierten Mädchentraum auf. Ihr Körper wird durch den humorvollen Einsatz unterschiedlicher Materialien zum Instrument zwischen Widerstand und Angleichung, Reproduktion und Erfindung.

“Doch was heißt schon Natur im Tanz? Den Zweifel blättert Bruixa auf kluge Weise auf, verbunden mit der Frage nach der wahren Viviana, ihren wahren Bewegungen, Posen und Gedanken. Natur im Leben heißt Sterbenmüssen.” Melanie Suchy, Kölner Stadtanzeiger 27.4.18

“Ein humorvoller, bezaubernder, respektloser Abgesang einer Tänzerinnen-Karriere. Thiersch hat hier erneut eine hervorragende Arbeit vorgelegt, die gelungen den Finger in die Wunde legt.” O-TON April 2018, Michael Zerban

Choreographie und Tanz: Viviana Escalé - Konzept, Regie und Bühne: Stephanie Thiersch - Dramaturgie: Maja Zimmermann - Appearance: Malu Thiersch - Technik/Licht: Ansgar Kluge

Eine Koproduktion mit: tanzhaus nrw Düsseldorf. Kooperationspartner: Goethe Institut Madrid, Teatros del Canal Madrid, Orangerie - Theater im Volksgarten Köln, Freihandelszone Ensemblenetzwerk Köln. Gefördert durch: Fonds Darstellende Künste, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, Kulturamt der Stadt Köln.

Im Rahmen von Move! Krefelder Tage für modernen Tanz.

21.11.2020, 17.30 und 20.30 Uhr

Gemeinsam mit ihrer langjährigen Weggefährtin Viviana Escalé untersucht die Choreografin Stephanie Thiersch mögliche und bekannte Formen weiblicher Selbstinszenierung. Damit knüpft sie an ihre Soli zu Frauenfiguren „Under Green Ground“ von 2005 und „Beautiful me“ von 2007 an. „Bruixa“ zeigt das persönliche Portrait einer Tänzerin am Ende ihrer Bühnenkarriere. Das Publikum ist Teil einer improvisiert wirkenden Versuchsanordnung, in der sich Escalé ständig neu erfindet. Erst geschlechtslos zwischen Tier und Pflanze changierend, geht sie im nächsten Moment fast vollständig im romantisierten Mädchentraum auf. Ihr Körper wird durch den humorvollen Einsatz unterschiedlicher Materialien zum Instrument zwischen Widerstand und Angleichung, Reproduktion und Erfindung.

“Doch was heißt schon Natur im Tanz? Den Zweifel blättert Bruixa auf kluge Weise auf, verbunden mit der Frage nach der wahren Viviana, ihren wahren Bewegungen, Posen und Gedanken. Natur im Leben heißt Sterbenmüssen.” Melanie Suchy, Kölner Stadtanzeiger 27.4.18

“Ein humorvoller, bezaubernder, respektloser Abgesang einer Tänzerinnen-Karriere. Thiersch hat hier erneut eine hervorragende Arbeit vorgelegt, die gelungen den Finger in die Wunde legt.” O-TON April 2018, Michael Zerban

Choreographie und Tanz: Viviana Escalé - Konzept, Regie und Bühne: Stephanie Thiersch - Dramaturgie: Maja Zimmermann - Appearance: Malu Thiersch - Technik/Licht: Ansgar Kluge

Eine Koproduktion mit: tanzhaus nrw Düsseldorf. Kooperationspartner: Goethe Institut Madrid, Teatros del Canal Madrid, Orangerie - Theater im Volksgarten Köln, Freihandelszone Ensemblenetzwerk Köln. Gefördert durch: Fonds Darstellende Künste, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW, Kulturamt der Stadt Köln.

Kurz vor der Premiere im März stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Kurz vor der Premiere im März stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Kurz vor der Premiere im März stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW

Kurz vor der Premiere im März stoppte das Virus die neue Produktion. Ein Bruch in der Biografie des Theaters und der Künstler – dabei geht es in FRACTURA gerade um die Brüche, Verletzungen und Narben, die sich in einer Künstlerbiografie finden!

Mit 40 Jahren überdenken die meisten Frauen ihr Leben, beenden die meisten Tänzerinnen zwangsläufig ihre Karriere. Sie haben einiges an Verletzungen, Schmerzen und Brüchen erlebt, die äußerlich und innerlich Narben hinterlassen haben. Teils durch Gewalt, selbst zugefügt oder von anderen ausgeübt.

Dieser autobiographische Abend erzählt die Lebensgeschichte der aus Südamerika emigrierten Tänzerin anhand ihrer getanzten Partien und der im Laufe ihrer Karriere erlittenen Verletzungen. Der Abend zeigt die schönsten und die schwierigsten, aber auch die meist gehaßten Tanz-Partien. Immer wieder werden diese wiederholt und der Vergleich zu früher gezogen. Gelingt der Sprung noch? Wo stehe ich im Leben? Wie hat sich der Körper verändert? Wobei habe ich mir die Verletzung zugezogen?

Begleitet von den Röntgenbildern vergangener Brüche und dem musikalischen Piepen der Monitore entsteht eine schmerzvolle, intime Tanzreise, die über den Atlantik nach Kolumbien führt und die Geschichte einer Frau erzählt, die als Künstlerin in unserer Gesellschaft Fuss fasst und mit vollem Körpereinsatz den Verletzungen und Rückschlägen zu trotzen weiss. Eine getanzte Immigrationsgeschichte, die schonungslos den Schönheits- und Jugendwahn unserer Gesellschaft entlarvt, aber am Ende mit einem liebevoll poetischen Blick die Schönheit des Tanzes und die Zerbrechlichkeit des Menschen in den Mittelpunkt stellt!

Cast: Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Bibiana Jiménez / Dramaturgie/Text: Rosi Ulrich / Co-Choreografie: Sara Blasco Gutiérrez / Ausstattung: Claus Stump, Paula Noller / Live-Zeichnung: Katarina Caspersen / Video: Jens Standke / Musik: Klangwart / Musikarrangement: Sara Blasco Gutiérrez / Stimmen: Lucia Schulz, Asta Nechajute, Silvia Petrova, Sara Blasco Gutiérrez, Katarina Caspersen / Licht: Jan Wiesbrock, Peter Behle / Technik: Jens Kuklik / Regieassistenz: Gina Bensch / Fotos: Claus Stump / PR: neurohr & andrä GbR

Koproduktion: Orangerie Theater.

Gefördert durch: Kulturamt der Stadt Köln, Ministerium für Kultur und Wissenschaft des Landes NRW