Wer kennt nicht das Gefühl des „Ausgebremstseins“!? Welche Situationen und Erlebnisse bremsen uns und wie lassen sich „Bremsklötze“ beseitigen, um positive persönliche und gesellschaftliche Entwicklungen zu ermöglichen, kreativ zu werden und sich frei zu fühlen?

A.TONAL.THEATER untersucht mit 10 Bürgerinnen und Bürgern im Alter zwischen 24 und 87 Jahren, drei professionellen Performer:innen und den Musikern Max Wehner (Posaune) und Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) mittels persönlicher Geschichten, Live-Musik und Videoscreenings die Analogie zwischen dem physikalischen Phänomen Bremskraft und dem eigenen Leben.

Nach SUBCUTIS folgt mit BREMS:::KRAFT der zweite Teil der mehrjährigen Projektreihe, welche die Übertragbarkeit physiologischer und physikalischer Phänomene auf zwischenmenschliche, emotionale und gesellschaftliche Prozesse zum Thema hat.

BREMS:::KRAFT ist eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr und der VolXbühne (Mülheim an der Ruhr), in Kooperation mit der Alten Feuerwache Köln und Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln. Die Produktion und A.TONAL.THEATER werden gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur NRW, das Landesbüro Freie Darstellende Künste NRW und die Rheinenergiestiftung Kultur Köln.

Performer:innen: Adelheid Borgmann, Alexandra Merz, Bruno Kirchhof, Christel Trösken, Daniela Godde, Frieder Kornfeld, Kevin Rutkowski, Klaus Lill, Mohammad Saado Kharouf, Sabina Krauze, Shirin Zettl, Teresa Stoller / Live-Musik & Komposition: Max Wehner (Posaune), Peter Eisold (Schlagwerk & Elektronik)

Regie & Textfassung: Jörg Fürst, Bühnenbild: Jan Patrick Brandt, Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening Bühne & Social Media Videoblog: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Produktion Köln: Jule Klemm, Produktion & PR MH: Martina Krall, (Ton)Technik: Eduardo Borges, Thomas Mörl, Dietrich Schuckließ, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, PR Köln: neurohr&andrä, Fahrdienst: Schlax

Wer kennt nicht das Gefühl des „Ausgebremstseins“!? Welche Situationen und Erlebnisse bremsen uns und wie lassen sich „Bremsklötze“ beseitigen, um positive persönliche und gesellschaftliche Entwicklungen zu ermöglichen, kreativ zu werden und sich frei zu fühlen?

A.TONAL.THEATER untersucht mit 10 Bürgerinnen und Bürgern im Alter zwischen 24 und 87 Jahren, drei professionellen Performer:innen und den Musikern Max Wehner (Posaune) und Peter Eisold (Schlagzeug & Elektronik) mittels persönlicher Geschichten, Live-Musik und Videoscreenings die Analogie zwischen dem physikalischen Phänomen Bremskraft und dem eigenen Leben.

Nach SUBCUTIS folgt mit BREMS:::KRAFT der zweite Teil der mehrjährigen Projektreihe, welche die Übertragbarkeit physiologischer und physikalischer Phänomene auf zwischenmenschliche, emotionale und gesellschaftliche Prozesse zum Thema hat.

BREMS:::KRAFT ist eine Produktion von A.TONAL.THEATER (Köln) in Koproduktion mit dem Theater an der Ruhr und der VolXbühne (Mülheim an der Ruhr), in Kooperation mit der Alten Feuerwache Köln und Freihandelszone – Ensemblenetzwerk Köln. Die Produktion und A.TONAL.THEATER werden gefördert durch das Kulturamt der Stadt Köln, das Ministerium für Wissenschaft und Kultur NRW, das Landesbüro Freie Darstellende Künste NRW und die Rheinenergiestiftung Kultur Köln.

Performer:innen: Adelheid Borgmann, Alexandra Merz, Bruno Kirchhof, Christel Trösken, Daniela Godde, Frieder Kornfeld, Kevin Rutkowski, Klaus Lill, Mohammad Saado Kharouf, Sabina Krauze, Shirin Zettl, Teresa Stoller / Live-Musik & Komposition: Max Wehner (Posaune), Peter Eisold (Schlagwerk & Elektronik)

Regie & Textfassung: Jörg Fürst, Bühnenbild: Jan Patrick Brandt, Kostüme: Monika Odenthal, Videoscreening Bühne & Social Media Videoblog: Susann Martin, Lichtdesign: Kerp Holz, Technische Leitung: Dirk Lohmann, Produktion Köln: Jule Klemm, Produktion & PR MH: Martina Krall, (Ton)Technik: Eduardo Borges, Thomas Mörl, Dietrich Schuckließ, Layout: molter&sartor, Düsseldorf, PR Köln: neurohr&andrä, Fahrdienst: Schlax

Mi.-Sa. durchgehend in der Halle

2017 entwickelte das Theaterkollektiv Futur3 das Theaterstück „Shit Island“. Es basiert auf der Geschichte des winzigen Inselstaats Nauru, die seit der Eroberung und gnadenlosen Ausbeutung durch die Europäer einer Achterbahnfahrt durch den Kapitalismus gleicht. Denn nach der Unabhängigkeit wird die Republik Nauru zum reichsten Land der Welt, feiert den grenzenlosen Konsum, kollabiert und kann die Staatspleite nur noch mit krummen Geschäften abwenden. SHIT ISLAND erforscht die unsichtbare Verquickung der deutschen Südsee-Romantik mit imperialistisch-kolonialen Strukturen. Der Comic „Exploited Island“ schildert den Weg des Theaterkollektivs von der ersten Idee bis zur Premiere.

Ein Webcomic von Futur3

Zeichnungen und Konzept: André Erlen

Künstlerische Mitarbeit: Irene Eichenberger, Stefan H. Kraft, Jörg Ritzenhoff, Luzia Schelling, Petra Maria Wirth

Projektleitung: Theresa Heußen

MOUVOIR/Stephanie Thiersch: Voices of Laments

Mittwoch bis Freitag 16-20 Uhr, Samstag 11-20 Uhr

Videoinstallation von Stephanie Thiersch. (Indien/Kenia, Korea, Griechenland) 25min. Loop

How does the death of a loved one change me? What gives comfort? What is a good death? If death is a sound, what would it sound like? When does dying begin?

Voices of Laments ist eine 4-kanalige Videoinstallation, die das Publikum in ursprüngliche und intensive Trauerzeremonien, Gesänge und Rituale quer durch die Welt eintauchen lässt. Schwindelerregende Massenzeremonien aus Varanasi, der heiligen Stadt der Toten in Indien werden verwoben mit den berührenden griechischen Miroloi, Trauer-Gesängen alter Frauen des Peloponnes oder aus Epirus in Griechenland. Entrückte Rituale der koreanischen Schamanin Manishim stehen neben dem rhythmischen singenden Frauenchor vom Lake Victoria oder Dorftänzen zu Ehren der Toten an der Meeresküste in Kenia. So unterschiedlich die Klagen und Traditionen zunächst erscheinen mögen, im Tode und den elementaren Fragen des Lebens rücken unsere Gebräuche nah zueinander.

India Chapter (2025): Schnitt: Anja Theismann, Kamera: Hajo Schomerus, Produktion: Goethe Institut Kolkata (Leitg. Astrid Wege), Produktionsleitung: Moinak Guho, Sharmista Sarker

VR-Erzählung (ca. 20 min) aus der gleichnamigen Performance von 2022

Mi.-Sa. 16:00-18:00 Uhr, Probenraum

Die VR-Narration erzählt die Geschichte eines Menschen, der nach einer zu seinem Wohl verhängten Isolation, in eine neue digitale Welt entlassen wird. Eingeführt ins neue Jetzt wird er von seinem persönlichen Betreuer, einem Roboter. Doch der Mensch hat Schwierigkeiten sich an die Umgebung zu gewöhnen, die Kommunikation mit seinem etwas überheblich-besserwisserischen Avatar scheitert und der Mensch muss zurück in die Isolation.

Avatar: „...ich bin der Nachkomme des Menschen, sozusagen. … mit der Zeit hat die Evolution uns zu leistungsstarken, superschnellen Systemen gemacht. Da kannst Du einfach nicht mithalten.“

Stimmen: Kai Hufnagel, Ilka Teichmüller

Konzept: Rosi Ulrich, Andrea Bleikamp / Text/Dramaturgie: Rosi Ulrich / Regie: Andrea Bleikamp / Video/VR: Jens Stande, Fabian Kampa / Komposition/VR-Sounddesign: Sibin Vassilev / Setdesign: Trixy Royeck / Kostüm: Paula Noller / Maskenbau: Marion Bihler-Kerluku / Requisite: Gina Bensch / Lichtdesign/Technik: Jan Kutscher

Community-Performance mit Tanzkünstler:innen aus NRW und Kölner Bürger:innen

Solidarität gegen Gewalt

Breathe for Peace: Stephanie Thiersch re-inszeniert mit Kölner Tanzkünstler:innen für URBÄNG! das „Breathing Ritual“. Aus ihrem Stück ARCHIPEL – EIN SPEKTAKEL DER VERMISCHUNGEN, entstanden gemeinsam mit der Komponistin Brigitta Muntendorf, wurde es 2020 auf der Ruhrtriennale und 2021 im Rahmen von Theater der Welt auf einer Skulptur des Architekten Sou Fujimoto aufgeführt. In dem hochenergetischen 18-minütigen Ritual begegnen sich nun Tänzer:innen unterschiedlichen Backgrounds und Alters. Das Ritual baut auf eine komplexe Atemkomposition auf, basierend auf den Stimmen des Norwegian Soloists' Choir, und vereint 40 Körper in einem Atemrhythmus. Das wiederkehrende Breathing Ritual stellt den Atem als Symbol der Verbundenheit und Gleichheit ins Zentrum und setzt ein politisches Zeichen gegen Gewalt und Diskriminierung.

Die Performance ruft zur Solidarität mit den von Kürzungen betroffenen Kölner Frauenhäusern auf. Alle Performer:innen spenden ihre Gagen und rufen ihr Publikum zu weiteren großzügigen Spenden auf! (Spendenkonto: https://secure.spendenbank.de/form/1721/, unter „ich spende für“ bitte URBÄNG! eintragen. Wir danken allen Spender:innen!)

Community-Performance. Solidarität gegen Gewalt!

Inszenierung: Stephanie Thiersch

Komposition: Brigitta Muntendorf, für die Stimmen des Norwegian Soloists‘ Choir

Mit:

Elsa Artmann, Hyunsoo Auo, Khadidiatou Bangoura, Einav Berkovich, Carla Böhm, Yasmine Calasse, Viola Cantù, Léa Delaporte, Ella Dexl, Tamora Dinklage, Elena Fellisch, Lenah Flaig, Teresa Foerster, Sophie Gisbertz, Laura Sophie Heise, Elija Hoffmann, Paulina Jürges, Simone Kieltyka, Moonjoo Kim,  Stefan H. Kraft, Mechthild Kreuser, Constantin Leonhard, Rose Marie Lindstrøm, Amanda Marin, Ko Mihyun, Hartmut Misgeld, Nona Munnix, Nadine Ndungula Kraus, Felicia Nilsson, Mareile Reiners, Ricarda Rommerscheidt, Gitta Roser, Lola Rubio, Saskia Rudat, Marcela Ruiz Quintero, Sophie Marlene Sanchez, Stella Schirra, Romy Schumacher, Moss Seibert, Emma Stacey, Tina Streich, Malu Thiersch, Ekaterina Thor, Leonie Türke, Jana Zemanová

„The Breathing Ritual“ wurde ursprünglich für das Stück „Archipel – Ein Spektakel der Vermischungen“ von Stephanie Thiersch und Brigitta Muntendorf für die Ruhrtriennale 2020 / Theater der Welt Düsseldorf 2021 inszeniert.

Vor der Wahl? Der Angriff auf die Kunst und die Kürzung der Kultur. Mit der Schriftstellerin Kathrin Röggla und dem Künstler Marcel Odenbach.

Mit dem Untertitel „Vor der Wahl? Der Angriff auf die Kunst und die Kürzung der Kultur“ eröffnet die Freihandelszone in diesem Jahr das URBÄNG!-Festival mit zwei scharfen und klugen, aktiven und beobachtenden Menschen der Kunst- und Kulturszene: Kathrin Röggla und Marcel Odenbach.

Die österreichische Theaterautorin und Schriftstellerin Kathrin Röggla, geboren 1971 in Salzburg, arbeitet als Prosa- und Theaterautorin und entwickelt Radiostücke. Für ihre literarischen Arbeiten wurde sie mit zahlreichen Literaturpreisen ausgezeichnet. Röggla ist seit 2020 Professorin für Literarisches Schreiben an der Kunsthochschule für Medien in Köln. Zuletzt erschien ihr Roman „Laufendes Verfahren“, für den sie den Heinrich-Böll-Preis für Literatur (2023) erhalten hat.

Die Arbeiten von Marcel Odenbach (geb. 1953) lassen sich in drei Werkgruppen aufteilen, die sich gegenseitig ergänzen: Collage-Zeichnungen, Video-Bänder und Video-Installationen. Odenbachs Interesse gilt der Auseinandersetzung mit der deutschen Geschichte und aktuellen politischen Geschehen wie Rassismus und Diskriminierung. Ausstellungen u.a. im Centre Georges Pompidou Paris (1987), im Hamburger Bahnhof, Berlin (2006), oder in der Kunsthalle Wien (2017). Bis zum Frühjahr 2021 lehrte Odenbach Film und Video an der Kunstakademie Düsseldorf.

A BEGINNING ist eine Reise von der Dunkelheit zum Licht. Fünf Tänzer/Sänger, ausgestattet mit tragbaren Scheinwerfern, erkunden die Beziehung zwischen Bewegung, Stimme und Licht. Wo Choreografie und musikalische Komposition aufeinandertreffen, trennt dieses Werk den Körper, der singt, von dem, der sich bewegt.

Aurora Bouzá und Pere Jou entwickeln eine Körper- und Bewegungspraxis, die es ermöglicht, zwei Bewegungen in einem Körper zu verkörpern, sogar widersprüchliche: die Bewegung, die klingt (der Song) und die Bewegung, die man sieht. Die Choreografie ist so angelegt, dass das Individuum sich ständig dem Kollektiv annähern und sich von ihm trennen kann, was dazu einlädt, neue Wege der Beziehung vorzustellen.

Trailer: https://vimeo.com/816706996 

Creation and direction: Aurora Bauzà & Pere Jou

Performance: Elena Tarrats, Maider Lasa, Isaac Baró, Diana Pop, Pere Jou

Music and sound: Aurora Bauzà

Choreography: Pere Jou

Light design: Jou Serra

Costume: Mariona Signes

Dramaturgical and choreographic collaboration: Alessandro Sciarroni

Movement assistance: Claudia SolWat

Technical and lightning assistance: Marieta Rojo

Production and support: Ariadna Miquel

Acknowledgments: Cube peak, Africa Sabé and Iguzzini

Co-produced by L'Auditori and Centre Coregraphique National d'Orleans (France)

With the support of Institut d'Estudis Baleàrics, Consell de Mallorca i ICEC

Thanks to Graner Fàbrica de Creació,

Nau Estruch, Hèmisphère Son, Castell de Montjuïc, and CC Barceloneta.

Mi. 22:00 (Halle), Fr., 19:30 (Foyer), Sa. 18:30 (Foyer)

Wir leben in einer Welt der Dinge. Teilweise funktionieren wir ohne sie nicht, teilweise ist es eine Scheinabhängigkeit. Widmen wir uns diesen Dingen, entdecken wir unsere Beziehung neu, positiv wie negativ. Welche Rolle spielen diese Dinge in einem weiblichen Leben, wie werden wir von ihnen bestimmt? Was sagen sie über Frau in der Gesellschaft aus und welche Rollen geben wir ihnen oder lassen uns durch sie in Rollenmodelle pressen. Zwei Tänzerinnen loten die Grenzen zwischen Abhängigkeit, Status und Notwendigkeiten aus. Wie Blitzlichter werden die Miniaturen in 10-minütigen Performances an verschiedenen Orten gezeigt und der jeweilige Gegenstand kritisch, komisch und anregend untersucht.

Musik: Daphne Oram, Snow

Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Sara Blasco Gutiérre, Katharina Sim

Mi.-Sa. durchgehend in der Halle

2017 entwickelte das Theaterkollektiv Futur3 das Theaterstück „Shit Island“. Es basiert auf der Geschichte des winzigen Inselstaats Nauru, die seit der Eroberung und gnadenlosen Ausbeutung durch die Europäer einer Achterbahnfahrt durch den Kapitalismus gleicht. Denn nach der Unabhängigkeit wird die Republik Nauru zum reichsten Land der Welt, feiert den grenzenlosen Konsum, kollabiert und kann die Staatspleite nur noch mit krummen Geschäften abwenden. SHIT ISLAND erforscht die unsichtbare Verquickung der deutschen Südsee-Romantik mit imperialistisch-kolonialen Strukturen. Der Comic „Exploited Island“ schildert den Weg des Theaterkollektivs von der ersten Idee bis zur Premiere.

Ein Webcomic von Futur3

Zeichnungen und Konzept: André Erlen

Künstlerische Mitarbeit: Irene Eichenberger, Stefan H. Kraft, Jörg Ritzenhoff, Luzia Schelling, Petra Maria Wirth

Projektleitung: Theresa Heußen

MOUVOIR/Stephanie Thiersch: Voices of Laments

Mittwoch bis Freitag 16-20 Uhr, Samstag 11-20 Uhr

Videoinstallation von Stephanie Thiersch. (Indien/Kenia, Korea, Griechenland) 25min. Loop

How does the death of a loved one change me? What gives comfort? What is a good death? If death is a sound, what would it sound like? When does dying begin?

Voices of Laments ist eine 4-kanalige Videoinstallation, die das Publikum in ursprüngliche und intensive Trauerzeremonien, Gesänge und Rituale quer durch die Welt eintauchen lässt. Schwindelerregende Massenzeremonien aus Varanasi, der heiligen Stadt der Toten in Indien werden verwoben mit den berührenden griechischen Miroloi, Trauer-Gesängen alter Frauen des Peloponnes oder aus Epirus in Griechenland. Entrückte Rituale der koreanischen Schamanin Manishim stehen neben dem rhythmischen singenden Frauenchor vom Lake Victoria oder Dorftänzen zu Ehren der Toten an der Meeresküste in Kenia. So unterschiedlich die Klagen und Traditionen zunächst erscheinen mögen, im Tode und den elementaren Fragen des Lebens rücken unsere Gebräuche nah zueinander.

India Chapter (2025): Schnitt: Anja Theismann, Kamera: Hajo Schomerus, Produktion: Goethe Institut Kolkata (Leitg. Astrid Wege), Produktionsleitung: Moinak Guho, Sharmista Sarker

• 16:00 Uhr – Halle: Workshop
  Komm, lern mit uns das Alphabet der Liebe! // Workshop
  Mit Yanna Rüger und dem Theater HORA (Zürich, CH)
• 18:30 Uhr – Halle: Film
  Kurzfilm SCHULE DER LIEBENDEN

Der Workshop und der Kurzfilm SCHULE DER LIEBENDEN sind Teil einer humorvollen, sensiblen, ermächtigenden und genre-sprengenden Kunsterfahrung zum Thema Liebe und Intimität für Menschen mit und ohne Beeinträchtigungen.

Video Artist und Somatic Sex Coach melanie bonajo drehte in Zusammenarbeit mit Daniel Cremer und Yanna Rüger mit dem Ensemble des Theater HORA einen Aufklärungsfilm 2.0., der alleine oder als Teil einer abendfüllenden immersiven Performance in einer Rauminstallation von Carolin Gieszner funktioniert. Es handelt sich um eine Koproduktion von Theater HORA mit Fabriktheater Rote Fabrik und Shedhalle Zürich.

Zum Workshop:

Für 24 Teilnehmende (15,- / 10,- EUR). Treffpunkt zum Workshop ist in der Halle der Feuerwache, ab 15:30 Uhr.

Im Rahmen des Workshops lädt URBÄNG! ein zu zwei Unterrichtsstunden der besonderen Art! Die Teilnehmer*innen treffen auf die Lehrer*innen aus dem Film SCHULE DER LIEBENDEN.

„Wir lernen uns selbst besser kennen. Und auch ein bisschen die anderen: Madame Rainbow hat ein paar Fragen mitgebracht, die uns zusammenbringen. Der Gott Armund bringt uns das Berührungs-Alphabet bei. Wir tanzen zusammen, begegnen uns aus sicherer Distanz und kommen uns selbst dabei näher.”

Der Workshop wird geleitet von Gianni Blumer, Fabienne Villiger und Caitlin Friedly vom Ensemble des Theater HORA, zusammen mit Yanna Rüger, künstlerische Leiterin Theater HORA, und Daniel Cremer, Performancekünstler & Regisseur.

Die Teilnehmende werden gebeten, Kleidung mitzubringen, in der sie sich wohl fühlen und sich gut bewegen können, einen warmen Pulli, warme Socken und etwas zu trinken.

Dieser Workshop findet in deutscher Sprache statt und ist für Menschen mit und ohne Beeinträchtigungen offen. Wer für die Teilnahme Unterstützung braucht, meldet sich bitte bei Jörg Fürst unter: 0173 – 704 83 79.

Workshop-Credits:

Yanna Rüger, Daniel Cremer (beide Co-Regie), sowie Gianni Blumer, Fabienne Villiger und Caitlin Friedly (HORA Ensemble).

VR-Erzählung (ca. 20 min) aus der gleichnamigen Performance von 2022

Mi.-Sa. 16:00-18:00 Uhr, Probenraum

Die VR-Narration erzählt die Geschichte eines Menschen, der nach einer zu seinem Wohl verhängten Isolation, in eine neue digitale Welt entlassen wird. Eingeführt ins neue Jetzt wird er von seinem persönlichen Betreuer, einem Roboter. Doch der Mensch hat Schwierigkeiten sich an die Umgebung zu gewöhnen, die Kommunikation mit seinem etwas überheblich-besserwisserischen Avatar scheitert und der Mensch muss zurück in die Isolation.

Avatar: „...ich bin der Nachkomme des Menschen, sozusagen. … mit der Zeit hat die Evolution uns zu leistungsstarken, superschnellen Systemen gemacht. Da kannst Du einfach nicht mithalten.“

Stimmen: Kai Hufnagel, Ilka Teichmüller

Konzept: Rosi Ulrich, Andrea Bleikamp / Text/Dramaturgie: Rosi Ulrich / Regie: Andrea Bleikamp / Video/VR: Jens Stande, Fabian Kampa / Komposition/VR-Sounddesign: Sibin Vassilev / Setdesign: Trixy Royeck / Kostüm: Paula Noller / Maskenbau: Marion Bihler-Kerluku / Requisite: Gina Bensch / Lichtdesign/Technik: Jan Kutscher

• 16:00 Uhr – Studio: Workshop
  Komm, lern mit uns das Alphabet der Liebe! // Workshop
  Mit Yanna Rüger und dem Theater HORA (Zürich, CH)
• 18:30 Uhr – Halle: Film
  Kurzfilm SCHULE DER LIEBENDEN

Der Workshop und der Kurzfilm SCHULE DER LIEBENDEN sind Teil einer humorvollen, sensiblen, ermächtigenden und genre-sprengenden Kunsterfahrung zum Thema Liebe und Intimität für Menschen mit und ohne Beeinträchtigungen.

Video Artist und Somatic Sex Coach melanie bonajo drehte in Zusammenarbeit mit Daniel Cremer und Yanna Rüger mit dem Ensemble des Theater HORA einen Aufklärungsfilm 2.0., der alleine oder als Teil einer abendfüllenden immersiven Performance in einer Rauminstallation von Carolin Gieszner funktioniert. Es handelt sich um eine Koproduktion von Theater HORA mit Fabriktheater Rote Fabrik und Shedhalle Zürich.

Zum Film:

Gemeinsames Screening von Schule der Liebenden (melanie bonajo in Zusammenarbeit mit Theater HORA und Daniel Cremer, 2023, 38‘46‘‘)

Anschließend sprechen wir mit den HORA-Schauspieler*innen Gianni Blumer, Fabienne Villiger und Caitlin Friedly, sowie Yanna Rüger, Künstlerische Co-Leitung Theater HORA und Daniel Cremer über ihre Zusammenarbeit.

Welche Art von Schule lehrt dich, was du schon immer wissen wolltest, dir aber im wirklichen Leben niemand sagt?

Wie man ein Ja und ein Nein im Körper fühlt und kommuniziert; wie man flirtet, seine Grenzen wahrt, achtsam berührt und wie man sich selbst liebt? Welche Art von Schule spricht die Themen an, die mit Sexualität und Sicherheit verbunden sind? Das sind einige der Fragen, die Yanna Rüger, Daniel Cremer und melanie bonajo dazu veranlassten, sich gemeinsam mit dem Team des Theaters HORA auf einen Weg der Neuschulung zu begeben. Darin beleuchten sie zusammen den Begriff der Intimität in all seinen Facetten. Ein Ergebnis dieser Reise ist der Kurzfilm Schule der Liebenden. Ein Aufklärungsfilm 2.0, in dem Performer*innen des HORA-Ensembles zu Expert*innen ihrer eigenen Lust geworden sind und als phantastische Lehr-Avatare Wissen und sinnliche Erfahrungen rund um das Thema Liebe, Intimität und Sexualität vermitteln.

Konzept: melanie bonajo, Daniel Cremer, Yanna Rüger

Regie Liveperformance: Daniel Cremer, Yanna Rüger

Regie Film & Art Direction: melanie bonajo

Rauminstallation: Carolin Gieszner

Kostüm: Lara Lancereau-Jaulin

Performance & Ideen Film: Noha Badir, Gianni Blumer, Caitlin Friedly, Simone Gisler, Matthias Grandjean, Nikolai Gralak, Fredi Senn, Simon Stuber, Fabienne Villiger

Performance & Ideen Live: Noha Badir, Gianni Blumer, Caitlin Friedly, Matthias Grandjean, Simon Stuber, Fabienne Villiger

Musik & Sound Design Liverperformance: Thomas Jeker

Regieassistenz: Yanik Riedo

Raum- & Kostümassistenz: Giuliana Gjorgjevski

Raumassistenz: Liene Murken

Theaterpädagogik: Anna Fierz, Svenja Koch

Praktikum: Katrin Heydekamp

Technische Leitung & Lichtdesign: Micha Bietenharder

Ton Set Up Beratung: Rebecca Vonlaufen

Produktionsleitung HORA: Jörg Schwahlen

Gesamtleitung Theater HORA: Curdin Casutt

Drehbuch Film: melanie bonajo, Daniel Cremer, Yanna Rüger

Kamera & Bildgestaltung: Nadja Krüger

Techn. Assistenz & Licht Film: Janne Ebel

Set Ton Film: Anuk Schmelcher

Schnitt, 3D Environments, Compositing, VFX, Sounddesign & Colour Grading Film: Kolbeinn Hugi

3D Environments, Animation, Compositing, VFX & additional Sounddesign Film: Coco Magnusson

Musik, Score, Soundmix & Mastering Film: Tommie Bonajo

Untertitel, Übersetzung Live/Film: Yanik Riedo

Grafik, Title Design Film: Philippe Karrer, Ronja Burkard

Produzent*innen Film: melanie bonajo, Yanna Rüger

21 downbeat, die Hausband des RambaZamba Theaters Berlin, bearbeitet in ihrer Pop-Oper Alban Bergs Orchesterfetzen, Melodie-Fragmente und Librettoschnipsel und peitscht Wozzeck, gespielt von der Puppenspielerin Hannah Elischer, im Elektrosound über die Bühne ins offene Messer seiner persönlichen Katastrophe. Ein szenisches Punkkonzert mit professionellen Performer*innen und Musiker*innen mit und ohne Behinderung.

Alban Berg hat sich für seine Oper „Wozzeck“ von Georg Büchners Dramenfragment über den einfachen Soldaten Woyzeck inspirieren lassen. Da Woyzecks Sold nicht ausreicht, um seine Geliebte Marie und das gemeinsame uneheliche Kind zu unterstützen, dient er seinem ihn schikanierenden Hauptmann und stellt sich einem skrupellosen Arzt für Experimente zur Verfügung. Als er von einer heimlichen Affäre Maries erfährt, gerät seine Welt aus den Fugen. Not, Angst und Demütigungen führen zu einem Ausnahmezustand...

Leo Solter: Elektronik, Keyboards, Gesang

Hannah Elischer: Puppen & Gesang

Eva Fuchs: Gesang

Vincent Köhler: E-Drums, Percussion, Posaune

Selma Enoka Ayemba: Gesang

Mit Yanna Rüger (künstl. Leiterin Theater HORA, Zürich), Jakob Höhne (künstl. Leiter RambaZamba Theater, Berlin) und Jörg Fürst (künstl. Leiter A.TONAL.THEATER, Köln)

Weitere Infos folgen!

Mit dem E-Gitarristen Babis Papadopoulos (Thessaloniki, GR)

Babis Papadopoulos war der E-Gitarrist der 1983 gegründeten legendären griechische Rockband Trypes (griechisch: Τρύπες, "Löcher"). Sie produzierten wegweisende Alben, die nicht nur kommerziell erfolgreich waren, sondern auch als Meisterwerke der griechischen Rock-Diskographie gelten. Ihr zweites Album, welches übersetzt Party im 13. Stock heißt, landete 2006 auf der Liste der fünf besten Rock-Alben aller Zeiten in Griechenland. Insgesamt entstanden 6 Studioalben der TRYPES. Das letzte Album erschien 1999.

Bei URBÄNG! ist Babis Papadopoulos zu Gast mit seinem Solo Programm „Electric Solo“ indem er zu live eingespielten Loops virtuos sein E-Gitarrenspiel zelebriert.

https://www.youtube.com/watch?v=gLGzSHUC_v4

(c) Foto: Thanos-Hondros

Mi.-Sa. durchgehend in der Halle

2017 entwickelte das Theaterkollektiv Futur3 das Theaterstück „Shit Island“. Es basiert auf der Geschichte des winzigen Inselstaats Nauru, die seit der Eroberung und gnadenlosen Ausbeutung durch die Europäer einer Achterbahnfahrt durch den Kapitalismus gleicht. Denn nach der Unabhängigkeit wird die Republik Nauru zum reichsten Land der Welt, feiert den grenzenlosen Konsum, kollabiert und kann die Staatspleite nur noch mit krummen Geschäften abwenden. SHIT ISLAND erforscht die unsichtbare Verquickung der deutschen Südsee-Romantik mit imperialistisch-kolonialen Strukturen. Der Comic „Exploited Island“ schildert den Weg des Theaterkollektivs von der ersten Idee bis zur Premiere.

Ein Webcomic von Futur3

Zeichnungen und Konzept: André Erlen

Künstlerische Mitarbeit: Irene Eichenberger, Stefan H. Kraft, Jörg Ritzenhoff, Luzia Schelling, Petra Maria Wirth

Projektleitung: Theresa Heußen

max. 20 professionelle diverse Teilnehmer:innen (Tanz/Theater/Performance)

Wie man „shriftet“, wie man, wenn man mit einem Hindernis konfrontiert wird, oder dem Unvorhergesehenen, dem Unerwarteten. Wie zurückschlagen, abzweigen, sich anpassen, es umgehen? Shrift, ein von Nadia Beugré geprägter Neologismus, ist auf dem afrikanischen Kontinent zur gängigen Praxis geworden, wo die Menschen als Magier jeden Tag ihr eigenes Überleben neu erfinden...

Indem wir den Anderen zuhören, aber auch der Musik der Körper, dem Raum, und dem Unsichtbaren, lernen wir uns dem Unvorhergesehenen zu stellen und loszulassen, um uns auf andere Ziele und unbekannte Reisen einlassen…

Nadia Beugré, eine herausragende Figur der afrikanischen Tanz- und Performanceszene, arbeitet oft mit Geschlechterzuschreibungen, u.a. mit der Trans-Community in Abidjan, und entwickelt Stücke, die bei u.a. bei europäischen Festivals das Publikum zu Begeisterungsstürmen hinrissen.

Freitag, 14.02. sowie Samstag, 15.02., jeweils 14:00-19:00 im 30-Minuten-Takt

Zeitreisen ermöglichen es uns nicht nur, in den Spiegel unserer Vergangenheit zu blicken, sondern uns auch unseren heutigen Problemen zu stellen. Necromancy handelt von subversiver Vorstellungskraft und alternativen Realitäten, realisiert als immersive VR-Reise durch Zeit und Raum, die das Genre des Theaters und des 360°-Films zu einer hybriden Performance verschmilzt.

Vor fünfzig Jahren versuchte der ungarische Staat, die Kontrolle über die Kunstszene zu übernehmen. Viele Künstler wurden verboten und mussten untertauchen, aber die lokalen Neo-Avantgarde-Bewegungen fanden in einer kleinen Kapelle in Balatonboglár Unterschlupf. In den siebziger Jahren wollten diese jungen Menschen durch ihre künstlerische Arbeit eine alternative Realität für sich erträumen. An diesem wichtigen Treffpunkt präsentierte eine berühmte unabhängige Theatergruppe (das spätere Squat Theatre) eine subversive und befreiende Aufführung, die auf dem Film King Kong basierte und einen frühen queeren Bezug aufwies: Der männliche Hauptdarsteller verließ die Enge seines Körpers und wurde zu einer schönen Frau. Sie entkamen der wahrgenommenen Realität und spielten mit ihren Geschlechtsidentitäten.

Wie lange ist es möglich, in einer Diktatur ein eigenes Universum zu schaffen? Wenn wir unser Heimatland als Flüchtlinge verlassen müssen, können wir uns dann mit anderen Kulturen verbinden?

Die Nekromantie ruft die Geister herbei und gibt ihnen eine Stimme, um uns von radikaler Freiheit zu erzählen. In einer 30-minütigen mystischen Séance können die Besucher mit den verborgenen Geistern verschiedener Orte in Kontakt treten, nicht nur durch Hören und Sehen, sondern auch durch Berühren und Riechen. Wir laden unser Publikum auf eine immersive Reise über die Kontinente hinweg ein, auf den Spuren des Squat Theatre von Budapest bis New York, durch verschwundene Spielorte, Wohnungen und Archive. Ein poetischer Versuch, sich gemeinsam zu erinnern und die Grenzen der Materialität zu überwinden.

https://kristofkelemen.com/Necromancy  

Director, Writer: Kristóf KELEMEN (https://kristofkelemen.com/)

With: Dániel BAKI, Chengjunyan ZHOU, Kristóf KELEMEN, Gabriella SCHULLER

Voice (Hungarian): Nóra Blanka BERÉNYI

Voice (English): Anna THIESER

Cameraman, Editor: Nimród NYÚL / New Reflection Films

Music: Márton KRISTÓF 

Lighting Technician: Balázs SZABON

Field Management: Panka SÁNDOR

Makeup: Krisztina BÉRES 

VR Consultant: Fanni FAZAKAS

Visual Consultant: Virág PÁZMÁNY

English translation: Gabriella GÁL
Assistant Director: Anita TOTOBÉ 

Tour Management: Panka SÁNDOR

Production Manager: Andrea KOVÁCS 

Produced by: Veszprém-Balaton 2023 – European Capital of Culture, Babel Camp
In collaboration with: Füge Productions
Creative Management: Let it Be! art agency
Special thanks: SzM – KEMKI, Artpool Art Research Center (https://artpool.hu/), Kultkikötő, Hungarian Theatre Museum and Institute, Historical Archives of the Hungarian State Security, Budapest Ferenc Liszt International Airport, Klára CSERNE, Ágnes Karolina BAKK, Chengjunyan ZHOU, Sára UNGVÁRI, Gabriella SCHULLER (Museum of Fine Arts Budapest - KEMKI - Artpool Art Research Center), László SZÁZADOS (Museum of Fine Arts Budapest - KEMKI - ADK) 

MOUVOIR/Stephanie Thiersch: Voices of Laments

Mittwoch bis Freitag 16-20 Uhr, Samstag 11-20 Uhr

Videoinstallation von Stephanie Thiersch. (Indien/Kenia, Korea, Griechenland) 25min. Loop

How does the death of a loved one change me? What gives comfort? What is a good death? If death is a sound, what would it sound like? When does dying begin?

Voices of Laments ist eine 4-kanalige Videoinstallation, die das Publikum in ursprüngliche und intensive Trauerzeremonien, Gesänge und Rituale quer durch die Welt eintauchen lässt. Schwindelerregende Massenzeremonien aus Varanasi, der heiligen Stadt der Toten in Indien werden verwoben mit den berührenden griechischen Miroloi, Trauer-Gesängen alter Frauen des Peloponnes oder aus Epirus in Griechenland. Entrückte Rituale der koreanischen Schamanin Manishim stehen neben dem rhythmischen singenden Frauenchor vom Lake Victoria oder Dorftänzen zu Ehren der Toten an der Meeresküste in Kenia. So unterschiedlich die Klagen und Traditionen zunächst erscheinen mögen, im Tode und den elementaren Fragen des Lebens rücken unsere Gebräuche nah zueinander.

India Chapter (2025): Schnitt: Anja Theismann, Kamera: Hajo Schomerus, Produktion: Goethe Institut Kolkata (Leitg. Astrid Wege), Produktionsleitung: Moinak Guho, Sharmista Sarker

VR-Erzählung (ca. 20 min) aus der gleichnamigen Performance von 2022

Mi.-Sa. 16:00-18:00 Uhr, Probenraum

Die VR-Narration erzählt die Geschichte eines Menschen, der nach einer zu seinem Wohl verhängten Isolation, in eine neue digitale Welt entlassen wird. Eingeführt ins neue Jetzt wird er von seinem persönlichen Betreuer, einem Roboter. Doch der Mensch hat Schwierigkeiten sich an die Umgebung zu gewöhnen, die Kommunikation mit seinem etwas überheblich-besserwisserischen Avatar scheitert und der Mensch muss zurück in die Isolation.

Avatar: „...ich bin der Nachkomme des Menschen, sozusagen. … mit der Zeit hat die Evolution uns zu leistungsstarken, superschnellen Systemen gemacht. Da kannst Du einfach nicht mithalten.“

Stimmen: Kai Hufnagel, Ilka Teichmüller

Konzept: Rosi Ulrich, Andrea Bleikamp / Text/Dramaturgie: Rosi Ulrich / Regie: Andrea Bleikamp / Video/VR: Jens Stande, Fabian Kampa / Komposition/VR-Sounddesign: Sibin Vassilev / Setdesign: Trixy Royeck / Kostüm: Paula Noller / Maskenbau: Marion Bihler-Kerluku / Requisite: Gina Bensch / Lichtdesign/Technik: Jan Kutscher

Mi. 22:00 (Halle), Fr., 19:30 (Foyer), Sa. 18:30 (Foyer)

Wir leben in einer Welt der Dinge. Teilweise funktionieren wir ohne sie nicht, teilweise ist es eine Scheinabhängigkeit. Widmen wir uns diesen Dingen, entdecken wir unsere Beziehung neu, positiv wie negativ. Welche Rolle spielen diese Dinge in einem weiblichen Leben, wie werden wir von ihnen bestimmt? Was sagen sie über Frau in der Gesellschaft aus und welche Rollen geben wir ihnen oder lassen uns durch sie in Rollenmodelle pressen. Zwei Tänzerinnen loten die Grenzen zwischen Abhängigkeit, Status und Notwendigkeiten aus. Wie Blitzlichter werden die Miniaturen in 10-minütigen Performances an verschiedenen Orten gezeigt und der jeweilige Gegenstand kritisch, komisch und anregend untersucht.

Musik: Daphne Oram, Snow

Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Sara Blasco Gutiérre, Katharina Sim

In seinem neuem physischen Solo (de)konstruiert Maxim Storms das Individuum, das sich in der heutigen „Wir-wollen-mehr“-Gesellschaft auf Geschwindigkeit behauptet. Er tut dies in seinem (charakteristischen) grotesken Spielstil und seinen (unverwechselbaren und einzigartigen) rhythmischen Sprachkonstruktionen. Er erschafft ein zerfleddertes Universum, in dem eine letzte Seele hartnäckig an der Existenz bastelt. Durch baufällige Konstruktionen und fatale Reparaturen versucht die Figur, ein unbestimmtes Ziel zu erreichen.

In seinem vorherigen Solo Brother Blue entwarf Storms eine schattige Landschaft, in der der Protagonist seinen Schwanz verliert. In NUGGETS geht er noch einen Schritt weiter und gestaltet die Überreste der Existenz der Hauptfigur radikal um. In all seinen Werken lässt Maxim Storms Figuren zu Wort kommen, die das „Unmögliche“ versuchen oder sich dagegen wehren. NUGGETS wird zu einer neuen Etappe auf seiner Suche nach dem philosophischen Grauen.

Concept & performance Maxim Storms 

Coaching Jan Steen & Lisbeth Gruwez 

Light Geert Vanoorlé 

Feedback Linde Carrijn & Rachid Laachir 

Co-production CAMPO, C-TAKT & De Grote Post 

Distribution GOOD COMPANY I 

In collaboration with c o r s o & kunstencentrum nona

With the support of The Flemish Government

Kunst in bewegten Zeiten  21:30Uhr, Halle

Nicht nur das aktuelle Krisenempfinden in der Gesellschaft ist auf einem Höchststand angekommen, auch der reale Druck auf Kulturinstitutionen und Kunstschaffende ist groß. Finanzielle Kürzungen, politischer Druck und (Selbst-)Zensurmaßnahmen stellen die Kunstproduktion vor viele Herausforderungen. Gemeinsam mit unseren internationalen Festivalgästen wollen wir in diesem Talk Einblicke in Besonderheiten und Parallelen für das Kulturschaffen in unseren Nachbarländern erörtern.

Parking Spot ist das Musikprojekt des Elektronikkünstlers Marko Medvediev, der derzeit in Dnipro, Ukraine, lebt. Das Projekt, das hypnotische und sich entwickelnde Klanglandschaften kreiert, umfasst Genres wie IDM, Ambient und abstrakten Techno. Mit Hilfe generativer Musikmethoden erforscht Parking Spot komplizierte Rhythmen und unkonventionelle Melodien und verbindet Zufälligkeit und algorithmische Präzision zu dynamischen, sich entwickelnden Klanglandschaften.

Mi.-Sa. durchgehend in der Halle

2017 entwickelte das Theaterkollektiv Futur3 das Theaterstück „Shit Island“. Es basiert auf der Geschichte des winzigen Inselstaats Nauru, die seit der Eroberung und gnadenlosen Ausbeutung durch die Europäer einer Achterbahnfahrt durch den Kapitalismus gleicht. Denn nach der Unabhängigkeit wird die Republik Nauru zum reichsten Land der Welt, feiert den grenzenlosen Konsum, kollabiert und kann die Staatspleite nur noch mit krummen Geschäften abwenden. SHIT ISLAND erforscht die unsichtbare Verquickung der deutschen Südsee-Romantik mit imperialistisch-kolonialen Strukturen. Der Comic „Exploited Island“ schildert den Weg des Theaterkollektivs von der ersten Idee bis zur Premiere.

Ein Webcomic von Futur3

Zeichnungen und Konzept: André Erlen

Künstlerische Mitarbeit: Irene Eichenberger, Stefan H. Kraft, Jörg Ritzenhoff, Luzia Schelling, Petra Maria Wirth

Projektleitung: Theresa Heußen

MOUVOIR/Stephanie Thiersch: Voices of Laments

Mittwoch bis Freitag 16-20 Uhr, Samstag 11-20 Uhr

Videoinstallation von Stephanie Thiersch. (Indien/Kenia, Korea, Griechenland) 25min. Loop

How does the death of a loved one change me? What gives comfort? What is a good death? If death is a sound, what would it sound like? When does dying begin?

Voices of Laments ist eine 4-kanalige Videoinstallation, die das Publikum in ursprüngliche und intensive Trauerzeremonien, Gesänge und Rituale quer durch die Welt eintauchen lässt. Schwindelerregende Massenzeremonien aus Varanasi, der heiligen Stadt der Toten in Indien werden verwoben mit den berührenden griechischen Miroloi, Trauer-Gesängen alter Frauen des Peloponnes oder aus Epirus in Griechenland. Entrückte Rituale der koreanischen Schamanin Manishim stehen neben dem rhythmischen singenden Frauenchor vom Lake Victoria oder Dorftänzen zu Ehren der Toten an der Meeresküste in Kenia. So unterschiedlich die Klagen und Traditionen zunächst erscheinen mögen, im Tode und den elementaren Fragen des Lebens rücken unsere Gebräuche nah zueinander.

India Chapter (2025): Schnitt: Anja Theismann, Kamera: Hajo Schomerus, Produktion: Goethe Institut Kolkata (Leitg. Astrid Wege), Produktionsleitung: Moinak Guho, Sharmista Sarker

Freitag, 14.02. sowie Samstag, 15.02., jeweils 14:00-19:00 im 30-Minuten-Takt

Zeitreisen ermöglichen es uns nicht nur, in den Spiegel unserer Vergangenheit zu blicken, sondern uns auch unseren heutigen Problemen zu stellen. Necromancy handelt von subversiver Vorstellungskraft und alternativen Realitäten, realisiert als immersive VR-Reise durch Zeit und Raum, die das Genre des Theaters und des 360°-Films zu einer hybriden Performance verschmilzt.

Vor fünfzig Jahren versuchte der ungarische Staat, die Kontrolle über die Kunstszene zu übernehmen. Viele Künstler wurden verboten und mussten untertauchen, aber die lokalen Neo-Avantgarde-Bewegungen fanden in einer kleinen Kapelle in Balatonboglár Unterschlupf. In den siebziger Jahren wollten diese jungen Menschen durch ihre künstlerische Arbeit eine alternative Realität für sich erträumen. An diesem wichtigen Treffpunkt präsentierte eine berühmte unabhängige Theatergruppe (das spätere Squat Theatre) eine subversive und befreiende Aufführung, die auf dem Film King Kong basierte und einen frühen queeren Bezug aufwies: Der männliche Hauptdarsteller verließ die Enge seines Körpers und wurde zu einer schönen Frau. Sie entkamen der wahrgenommenen Realität und spielten mit ihren Geschlechtsidentitäten.

Wie lange ist es möglich, in einer Diktatur ein eigenes Universum zu schaffen? Wenn wir unser Heimatland als Flüchtlinge verlassen müssen, können wir uns dann mit anderen Kulturen verbinden?

Die Nekromantie ruft die Geister herbei und gibt ihnen eine Stimme, um uns von radikaler Freiheit zu erzählen. In einer 30-minütigen mystischen Séance können die Besucher mit den verborgenen Geistern verschiedener Orte in Kontakt treten, nicht nur durch Hören und Sehen, sondern auch durch Berühren und Riechen. Wir laden unser Publikum auf eine immersive Reise über die Kontinente hinweg ein, auf den Spuren des Squat Theatre von Budapest bis New York, durch verschwundene Spielorte, Wohnungen und Archive. Ein poetischer Versuch, sich gemeinsam zu erinnern und die Grenzen der Materialität zu überwinden.

https://kristofkelemen.com/Necromancy  

Director, Writer: Kristóf KELEMEN (https://kristofkelemen.com/)

With: Dániel BAKI, Chengjunyan ZHOU, Kristóf KELEMEN, Gabriella SCHULLER

Voice (Hungarian): Nóra Blanka BERÉNYI

Voice (English): Anna THIESER

Cameraman, Editor: Nimród NYÚL / New Reflection Films

Music: Márton KRISTÓF 

Lighting Technician: Balázs SZABON

Field Management: Panka SÁNDOR

Makeup: Krisztina BÉRES 

VR Consultant: Fanni FAZAKAS

Visual Consultant: Virág PÁZMÁNY

English translation: Gabriella GÁL
Assistant Director: Anita TOTOBÉ 

Tour Management: Panka SÁNDOR

Production Manager: Andrea KOVÁCS 

Produced by: Veszprém-Balaton 2023 – European Capital of Culture, Babel Camp
In collaboration with: Füge Productions
Creative Management: Let it Be! art agency
Special thanks: SzM – KEMKI, Artpool Art Research Center (https://artpool.hu/), Kultkikötő, Hungarian Theatre Museum and Institute, Historical Archives of the Hungarian State Security, Budapest Ferenc Liszt International Airport, Klára CSERNE, Ágnes Karolina BAKK, Chengjunyan ZHOU, Sára UNGVÁRI, Gabriella SCHULLER (Museum of Fine Arts Budapest - KEMKI - Artpool Art Research Center), László SZÁZADOS (Museum of Fine Arts Budapest - KEMKI - ADK) 

VR-Erzählung (ca. 20 min) aus der gleichnamigen Performance von 2022

Mi.-Sa. 16:00-18:00 Uhr, Probenraum

Die VR-Narration erzählt die Geschichte eines Menschen, der nach einer zu seinem Wohl verhängten Isolation, in eine neue digitale Welt entlassen wird. Eingeführt ins neue Jetzt wird er von seinem persönlichen Betreuer, einem Roboter. Doch der Mensch hat Schwierigkeiten sich an die Umgebung zu gewöhnen, die Kommunikation mit seinem etwas überheblich-besserwisserischen Avatar scheitert und der Mensch muss zurück in die Isolation.

Avatar: „...ich bin der Nachkomme des Menschen, sozusagen. … mit der Zeit hat die Evolution uns zu leistungsstarken, superschnellen Systemen gemacht. Da kannst Du einfach nicht mithalten.“

Stimmen: Kai Hufnagel, Ilka Teichmüller

Konzept: Rosi Ulrich, Andrea Bleikamp / Text/Dramaturgie: Rosi Ulrich / Regie: Andrea Bleikamp / Video/VR: Jens Stande, Fabian Kampa / Komposition/VR-Sounddesign: Sibin Vassilev / Setdesign: Trixy Royeck / Kostüm: Paula Noller / Maskenbau: Marion Bihler-Kerluku / Requisite: Gina Bensch / Lichtdesign/Technik: Jan Kutscher

Mi. 22:00 (Halle), Fr., 19:30 (Foyer), Sa. 18:30 (Foyer)

Wir leben in einer Welt der Dinge. Teilweise funktionieren wir ohne sie nicht, teilweise ist es eine Scheinabhängigkeit. Widmen wir uns diesen Dingen, entdecken wir unsere Beziehung neu, positiv wie negativ. Welche Rolle spielen diese Dinge in einem weiblichen Leben, wie werden wir von ihnen bestimmt? Was sagen sie über Frau in der Gesellschaft aus und welche Rollen geben wir ihnen oder lassen uns durch sie in Rollenmodelle pressen. Zwei Tänzerinnen loten die Grenzen zwischen Abhängigkeit, Status und Notwendigkeiten aus. Wie Blitzlichter werden die Miniaturen in 10-minütigen Performances an verschiedenen Orten gezeigt und der jeweilige Gegenstand kritisch, komisch und anregend untersucht.

Musik: Daphne Oram, Snow

Regie/Konzept: Andrea Bleikamp / Tanz/Choreografie: Sara Blasco Gutiérre, Katharina Sim

Samstag, 15.02.2025, 19:00 Uhr – Halle

Trajal Harrell gehört zur Zeit international zu den anerkanntesten und einflussreichsten Choreograf:innen und wurde 2024 in Venedig mit dem Silbernen Löwen ausgezeichnet.

Schon seit zwei Jahrzehnten interpretiert der amerikanische Choreograf die Geschichte des zeitgenössischen Tanzes und seiner Subkulturen durch eine Reihe von grenzüberschreitenden, originellen Arbeiten neu.

Das abendfüllende Werk „Dancer of the Year“ ist eine Reaktion auf seine unerwartete Wahl zum „Tänzer des Jahres“ durch das Magazin Tanz im Jahr 2018. In einem intimen Rahmen lässt Harrell das Publikum an seiner Arbeit teilhaben und macht seinen Tanz zum Geschenk. Seine Arbeit deckt über Zeit, Ort und Kulturen hinweg verborgene Verbindungen auf und eröffnet Räume für alternative Tanzgeschichten. Eine tiefe Zuneigung zum Ritual der Aufführung durchdringt den theatralischen Stil, der die eigene Identität und die des „Anderen“, des Orientalismus und historischer Verbindung u.a. zwischen Tanz, Exotik, und Erotik hinterfragt. Dabei verbindet er Voguing und Runway-Idiome mit Butoh, den Tänzen der griechischen Antike sowie modernem und postmodernem Tanz.

Choreography, performance, costumes, sound design: Trajal Harrell 

Dramaturgy: Sara Jansen 

Coproduction: KunstenfestivaldesArts, Kanal – Centre Pompidou, Impulstanz Festival, Schauspielhaus Bochum, Bit Theatergarasjen, Festival d’Automne à Paris, Lafayette Anticipation, Museum Ludwig, Dampfzentrale Bern and Schauspielhaus Zürich 

Distribution: Art Happens 

L'Homme rare von Nadia Beugré greift die Frage der Geschlechterzuordnung frontal auf. Indem sie fünf nackte Männer auf der Bühne ihre Hüften schwingen lässt, sabotiert sie die Kategorien von männlich und weiblich. Es ist aber auch ein Stück über unseren Blick. In diesem Fall den des westlichen, voyeuristischen und erotischen Blicks, den wir auf diese Körper werfen. Und ganz besonders auf diese schwarzen Körper.

Mit dem Rücken zu uns sind sie entweder völlig nackt oder in einfache Stoffe gehüllt. Fünf nicht-weiße Männer, von denen einige hochhackige Schuhe tragen, wiegen ihre Hüften und kreisen mit ihrem Becken zu einem wellenartigen Effekt. Inspiriert von den verschiedenen Gemeinden Rio de Janeiros und ihren rasanten urbanen Tänzen, greift die Choreografin Nadia Beugré diese nicht nur auf Frauen beschränkten Bewegungen auf und konterkariert damit auf subtile Weise die Geschlechterzuordnung. Wenn L'Homme rare daran erinnert, dass Weiblichkeit und Männlichkeit, Zerbrechlichkeit und Männlichkeit durchaus relative Begriffe sind, so hält das Stück vor allem einen Spiegel vor, mit dem wir unsere Sehgewohnheiten beobachten können. Die Choreografin lässt uns den Blick schweifen, wohin wir wollen. Es gibt jedoch kein Entrinnen aus der Haltung des Voyeurs, dieses direkten Erben des dominanten Blicks, der Körper, insbesondere schwarze Körper, verdinglicht, erotisiert und kolonisiert. Durch die Anreicherung mit anderen Nuancen der Männlichkeit und mit federnden Pobacken statt prallen Oberkörpern wird L'Homme rare zu jener seltenen Sorte Mann, die sich anschauen lässt, ohne jemals ihr Gesicht zu zeigen.

www.therapup.tv/lhomme-rare-at-southbank-centre

Creation and choreography: Nadia Beugré
Performers: Nadim Bahsoun, Daouda Keita, Marius Moguiba, Lucas Nicot, Tahi Vadel Guei
Technical and lighting direction: Anthony Merlaud
Music: Serge Gainsbourg, Lucas Nicot, Percussions d'Obilo
Outside eye: Faustin Linyekula

Production and diffusion Virginie Dupray - Libr'Arts, with the support of Latitudes Contemporaines and Studios Kabako
Coproduction Kunstenfestivaldesarts (Brussels) ; Théâtre de la Ville-Paris ; Festival d'Automne à Paris ; Montpellier Danse ; CCN2 - Centre chorégraphique national de Grenoble ; Centre chorégraphique national d'Orléans - Direction Maud Le Pladec ; Kunstencentrum Vooruit (Gand) ; Musée de la Danse - Centre chorégraphique national de Rennes et de Bretagne ; BIT Teatergarasjen (Bergen) ; Théâtre de Nîmes

Montpellier Danse - Agora, cité internationale de la danse, with the support of the BNP Paribas Foundation
With the support of L'échangeur-CDCN Hauts-de France - Studio Libre (Château-Thierry); Drac Occitanie - Aide à la reprise
Libr'Arts is supported by the Drac Occitanie / ministère de la Culture as a subsidized company
Nadia Beugré is an associate artist of the briqueterie CDCN du Val-de-Marne

The Festival d'Automne à Paris is coproducer of this performance and presents it in co-production with the briqueterie CDCN du Val-de-Marne.
With the support of the Fondation d'entreprise Hermès

Final URBÄNG! Groove! Party mit DJ Freegah. Afrobeat.